#Route 2016

Rebuscando en los Nuevos Talentos del 2016

28 nuevas promesas que han dejado claro que seguiremos hablando de ellos en el futuro.

22.12.16
Frankie Pizá

Este año no ponemos numeración. Hemos dejado de creer en los rankings. Nuestra ruta por los grandes acontecimientos musicales del 2016 no tiene jerarquías, tan solo protagonistas y títulos concretos. Rostros y sonidos; una ruta creada a partir del contenido que más congenia con nuestra personalidad como revista.

De todo un año de información, música y análisis surgen 31 álbumes fundamentales; 26 singles y EPs; 13 artistas que han dominado los focos y la industria a nivel internacional y local; 28 nuevas promesas que han dejado claro que seguiremos hablando de ellos; 13 editoriales que siguen enseñando con su labor que los sellos serán siempre necesarios; 25 reediciones esenciales; 17 recopilaciones y 20 canciones que no han parado de sonar en nuestra oficina.

En 2015, los números y cantidades fueron similares.

Tras conocer lo que nuestros lectores piensan sobre algunos de los mejores discos del año, nos toca a nosotros exponer nuestra opinión sobre un año musical en el que a pesar del luto casi permanente, no han dejado de ocurrir cosas.

No hay ni ganadores ni perdedores, tan solo momentos y música; diferentes historias artísticas que han marcado lo que pensamos de este excitante 2016.

Kamaiyah

La MC de Oakland Kamaiyah, debutó con una brillante mixtape que, en paralelo con el sonido y la actitud del reciente disco de YG, toma el testigo del sonido G-Funk en un formato actualizado y del que todo vecino de Bay Area seguro que esta orgulloso. Se titula a “ A Good Night In The Ghetto”.

La música de Kamaiyah es un paseo por Oakland que nos permite conocer su pasado y presente en la ciudad.  En “A Good Night in the Ghetto“ encontramos el mismo estilo que guió a la artista hasta donde está. Kamaiyah recoge todo el background que su ciudad le ha brindado, como las formas de Too $hort o E-40, y adapta el sonido instrumental de la época a algunas fórmulas actualizadas.

También hay espacio para el recuerdo y la introspección, como por ejemplo en “For My Dawg“, la pieza más emotivo del disco y a través de la que homenajea a sus amigos caídos: recuerdo de su mejor amigo, James “Cocaine James” Burks, que falleció a causa del cáncer.

Kamaiyah, que ha creado auténtica sensación entre la gente de la comunidad afroamericana a lo largo de Estados Unidos, es clave en la renovación del sonido G-Funk junto a YG, conectando Compton y Oakland para dar fuerza al movimiento. (AM)

GAIKA

Está llegando a uno de los mejores lugares que su música podía prometer. GAIKA, después de su debut independiente con «Machine» en 2015, tenía guardadas gratas sorpresas para este año: ha publicado su primera mixtape para MIXPAK, «SECURITY«, como preparatorio para el EP que nos ha llegado via Warp, «SPAGHETTO«.  A la vez éste anticipa un disco que llegará en algún momento del año que viene.

GAIKA adopta formas sonoras amenazantes, casi fantasmagóricas, uniendo el Dancehall con el Grime, el Hip Hop y elementos Pop para sumergirlo todo en sombras. Nos introduce en una utopía negra que él mismo llama “ghettofuturism”, un universo gótico en el que suena su propia modernización de la música de tradición afrodescendiente.

«SPAGHETTO» es precisamente lo que esperábamos de GAIKA. Lo que su música oscura, mestiza y grave propone, junto a la particular voz abrasadora del artista, se ha convertido en la atmósfera más representativa de un Londres que ha ido del pre Brexit al post Brexit acompañado por la narración del artista y cuyo carácter represivo podemos extender globalmente con facilidad.

Pero el universo de GAIKA no es otro que el que todos nosotros habitamos y su voz, música y cadencia, no es otra que «la mejor síntesis de la música contemporánea británica«. (AM)

Kaitlyn Aurelia Smith 

Tras un par de discos que pasaron bastante desapercibidos, finalmente en este 2016 Kaitlyn Aurelia Smith ha captado tanto la atención de la prensa especializada como de los freaks de los sintetizadores modulares, especialmente de los modelos Buchla.

Durante estos meses ha editado su tercer disco en solitario “EARS” (Western Vinyl, 2016) y la colaboración con su referente Suzanne Ciani, “Sunergy” (RVNG Intl., 2016), que hemos coronado como uno de los álbumes de este 2016.

Actuaciones como las que ofreció en el festival Unsound prueban que en directo su música desprende aún más magia, por lo que promete dar de que hablar en los próximos años. (PC)

Bejo

“Nada es demasiado agresivo ni demasiado intenso” transmiten tanto él como sus Locoplaya, el colectivo que comparte con Don Patricio y Uge. Desenfado natural y una cercanía al espíritu sonoro de los 90 retratan a Bejo, un rapero que suena a él mismo por encima de todo.

Nuestra mirada ha estado puesta en las Islas Canarias todo el año: hace meses que tomamos contacto con los Broke Niños Make Pesos (BNMP) y el regreso del Niño Maldito no ha hecho más que remarcar la idea de que el futuro de la música urbana de nuestro país pasa por el archipiélago.

En Bejo confluyen humor, su lúdico día a día, hedonismo, buenas vibraciones y una forma única de hacer sonar y transmitir sus pensamientos. Al margen de su personalidad narrando lo que se le pasa por la cabeza, Bejo es un reflejo de lo que dice la juventud, de que no hay ninguna necesidad de ponerse riguroso:

“No me gusta transmitir nada en concreto, más bien recalcar las cosas curiosas, absurdas”.

Su singularidad ha estado presente en “Mango” o singles como «LA COLADA». (FP)

Don’t DJ

El productor alemán adapta percusiones y elementos sonoros tribales africanos a su arquitectura House, rozando la experimentación por varios puntos. Y el resultado es muy ilustrativo: composiciones minimalistas y repetitivas que van progresando con la aparición de texturas y recursos exóticos. Su EP y su álbum son un gran ejemplo de ello.

A diferencia de otros productores que buscan politizar abiertamente su música, Don’t DJ adapta ciertos sonidos étnicos a la cosmovisión occidental, sin una voluntad que trascienda la propia música. O al menos a primera vista.

En “Authentic Exoticism“ Don’t DJ ‘justifica’ su música justificando el apropiacionismo  cultural, sin querer indagar en ningún tipo de carga que vaya más allá de la estrictamente musical y cultural. Para él, ya hay suficiente material para reflexionar en el aspecto formal de la música.

En su música se debaten conceptos tan complejos e interesantes como el eurocentrismo, el imperialismo cultural, la explotación cultural post-colonialista o el apropiacionismo: palabras que se desprenden de la simple reflexión acerca de la música.

Don’t DJ defiende conceptos ambivalentes y políticamente incorrectos como la apropiación cultural, el exotismo o la hibridación porque para él, estos tres conceptos realmente responden al sentimiento de fascinación por el otro, dos culturas aceptándose mutuamente desde la incomprensión y, lo que es lo mismo, mostrándose respeto absoluto.

Para Don’t DJ el exotismo auténtico es una cuestión de apariencia.

Según él, actualmente toda esperanza reside en la música. (AM)

Toxe

Tove Agélii es una joven de 18 años sueca que crea malformaciones electrónicas crispadas, grotescas y provocativas como Toxe.

Un discurso musical que nada tiene que ver con su aspecto frágil y angelical, aunque tampoco con su visión de las cosas; en una entrevista con The FADER, la estudiante de Gotemburgo habla sobre los prejuicios en el mundo de la música electrónica y se refiere a la endémica discriminación de género:

“Men are just so fragile when it comes to their power being questioned. They’ve always had their privilege, so I guess they’re scared of losing it. When they don’t have that power, all that’s left is just some dude.”

Chispas, ametralladoras, munición que cae sobre el barro. Mientras el conflicto y la contienda se desarrolla, suenan composiciones como “Determina”, la perfecta banda sonora para esa guerra futurista en plena ciudad que estamos ya imaginando.

La productora ligada a Staycore es junto a KABLAM o Margaret Antwood, una de las primeras artistas femeninas en abordar estos términos electrónicos.

Las tres comparten el mismo enfoque: una misma estética en el que se compenetran usabilidad y complejidad, estructuras voluminosas y melodías intrigantes y que remiten a la hiperrealidad distópica y escenas de alguna civilización derrumbándose ante nuestros ojos. (FP)

Motion Graphics

Composiciones clásicas con arreglos Jazz, Pop extraído del interior de un robot, esterilidad cromada y, al fin y al cabo, motion graphics: animación digital en movimiento.

Así suena la música de Motion Graphics, el productor que ha debutado en solitario para Domino y que, antes de publicar su LP nos mostró dos piezas excelentes para entender su propuesta: “Lense” y  la versión instrumental de “Mezzotint Gliss“.

En ciertos aspectos nos recuerda al último largo de James Ferraro, “Human Story 3“, sobre todo en la aleta de sonidos totalmente límpidos, a pesar de que Motion Graphics da más peso a la abstracción artística y la experimentación. Además, el artista incorpora en su música, lenta y a la vez audaz, su voz de forma evocadora y como un crooner lo haría.

Según explica el mismo artista, el disco se ha creado con “custom randomized software instruments, mimicking the erraticism of the Twitter timeline and the aggregated news feed, while incorporating elements of techno-pop and jazz, sequenced through the superhuman capabilities of a computer.”

Motion Graphics aplica la lógica de Twitter, continuos twits apareciendo y desvaneciéndose y la entendemos con esa sucesión de sonidos digitales que aparecen y se van continuamente. (AM)

Yuseef Kamaal 

Para ellos, el Jazz debe ser y es una «representación de nuestro tiempo». A través de Brownswood Recordings han lanzado un álbum de Jazz que sabe a calle, donde la instrumentación no se mitifica y se utiliza de una forma informal e ingeniosa. Jazz moderno, con un groove entre el Funk, el Acid Jazz de los 90 y la fusión electrónica del último Weldon Irvine.

“Black Focus” dicen es un título que referencia al modelo de coche que podemos encontrar habitualmente en las calles del sur de Londres. Aunque pueda parecer de lejos un estamento pro-negritud con reminiscencias al pasado más nacionalista y espiritual del Jazz, el título de su álbum debut tiene más que ver con las raíces de estos dos músicos.

Un Jazz imbuido y que plasma sin miedos la relación de sus creadores con la tradición musical londinense: Broken Beat, Jungle y otras divergencias urbanas se pueden notar en piezas como “Lowrider” o “Strings Of Light”.

Kamaal Williams (Henry Wu) dice que una de las cosas que más le inspiran es recordar “su infancia en Lewisham, comiendo okra” y entrando en contacto con las diferentes culturas que le han formado como músico y persona.

Junto a Yussef Dayes (anteriormente miembro del combo United Vibrations) y supervisados por Malcolm Catto (The Heliocentrics), ha grabado uno de los discos del año en el género; no es coincidencia que éste haya llegado poco después del “Wisdom of Elders” de Shabaka And The Ancestors y haya sido el mismo sello el encargado de impulsarlo. Un experto en el terreno como es Gilles Peterson suele equivocarse muy poco.

Yussef Kamaal es una composición en sí misma: dos representantes del Londres de hoy, haciendo Jazz londinense que pueda representar a una nueva audiencia. (FP)

NOIA 

Cercanía y lejanía al mismo tiempo. La voz de Gisela Fullà-Silvestre convoca memorias que no han ocurrido. La “Nostalgia del Futuro”, como ella misma canta en el single que encabezaba su release debut para Cascine y Buen Dia Records, «Habits».

La barcelonesa, asentada en Brooklyn y con sus estudios de diseño de sonido en Berklee concluidos, está detrás del proyecto NOIA: Pop electrónico que retiene las propiedades del Ambient y en el que existe la luminosidad de la cadencia Balearic. (FP)

Cruz Cafuné/BNMP

«Darle al Rap el sandungueo treatment», nos decía Cruz Cafuné en la primera entrevista como colectivo Broke Niños Make Pesos. La titulábamos «El despertar canario» y no podía presagiar mejores cosas.

El principio de 2016 significó el cambio de Toska Runners a BNMP y el inicio de una temporada que pocos igualarían: han definido su ADN a razón de (casi) canción por semana, y manteniendo su línea habitual de calidad. También mudándose a Barcelona para potenciar su carrera musical.

Si bien ya había formaciones como Me Cago En Tu Padre o Étre Supreme, entre otros, haciendo Hip Hop muy personal, ha sido con Broke Niños Make Pesos, BEJO y su grupo Locoplaya que desde Tenerife se han impuesto unas formas que están sacudiendo la península.

BNMP exploran el Dancehall, la Bachata o el género que más les pueda interesar desde su particular universo Hip Hop y R&B. Los resultados siempre son sobresalientes: la producción es inmejorable y los detalles están cuidados, hasta el último. Es el resultado de una forma de trabajar colaborativa: cada ‘niño’ aporta su grano de arena, ya sea en tal arreglo o tal coro.

La dualidad noche/día en isla o Barcelona tiene mucho peso en sus canciones, y uno de quienes mejor sabe narrarlo es Cruz Cafuné. La suya es una cadencia reposada y sin estragos, que muestra sin filtros su conexión con la escuela de los 90 tanto en Hip Hop como en R&B. (AM)

Rumore 

Con “Del Mare” (Pitch Down, 2016), este veneciano establecido en Barcelona se ha convertido en uno de los productores más frescos y prometedores de nuestras tierras.

Aquí las rítmicas old-school rave quedan relajadas entre ambientaciones New Age, como si surcaran las olas a las que el artista ha dedicado este EP debut.

5 cortes para fans de John Beltran, Wally Badarou y épocas concretas como la del Techno ambiental en UK o la de Ibadan reinando en el Nueva York de los 90. (PC)

KABLAM

Una locomotora, un robot, cualquier tipo de maquinaria con engranajes, parece despertar y ponerse en marcha cuando empieza a sonar «FURIOSA«. Va subiendo la velocidad y la intensidad hasta que aparecen los distorsionados 808s machacando el ritmo.

La mixtape que KABLAM creó para Janus Berlin es furia y angustia. Parece la odisea de la artista contra el mundo: así de rabiosas suenan las voces filtradas y agudas que aparecen en el viaje.

Y igual que la mixtape empieza como un despertar, así ha sido el año para la artista: la confirmación de una artista a la que tener muy en cuenta.

Sin ningún tipo de división por pistas, nos encontramos delante de una pieza con distintos paisajes que va mutando sin a penas darnos cuentas, como el paisaje cuando avanzas con el tren.

Todos ellos avanzando sobre engranajes y sonidos nerviosos: percusiones militarizadas, sonidos cibernéticos deformados, voces alienadas, ráfagas y metralletas que dejan lugar a momentos de una sublime trascendencia espiritual.

En estos contrastes reside la belleza de «FURIOSA», un trabajo que muestra a la KABLAM más solitaria, a la vez que guerrera y radical, una artista que sabe reflejar en sonido aquello que se propone explicar. (AM)

Lil Yachty

Lil Yachty es eso que ya están llamando como “Bubblegum Trap”; el Rap que un chaval joven y aburrido hace mientras no tiene cobertura para actualizar su Snapchat o no está revisando algún capítulo de los Rugrats (de hecho, en su canción “All Times” aparece la melodía de la serie de Nickelodeon).

Es un tipo de Rap que colinda con el mood emotivo y triste que se extendió hace unos años desde Lil B o Yung Lean, aunque esa cantarina tan particular refleja “alegría” al fin y al cabo.

Yachty es pura sinceridad: se burlaban de él por sus pintas cuando estudiaba en Mapleton (Atlanta) y su primer acercamiento a la música fue la intención de parodiar otras canciones.

Su voz ultraprocesada y nasal parece gravitar sin rumbo: mientras, a él, parece no importarle que le salpique el agua en la cara. De nuevo esa actitud entre desganada, desinteresada y semi-aburrida aunque siempre jovial de “Water on My Face” es la síntesis perfecta del concepto creado por el rapero. (AM)

Extrarradio (P)

Una de las revelaciones de este 2016 a la vez que una de las promesas del underground barcelonés es esta panda de chavales aficionados a los nuggets y los porros.

Tras ese deje fresco y despreocupado encontramos un sonido personal que transita entre enrarecidas bases Illbient, capas psicodélicas de chorus y reverb en las guitarras y cierto groove funky propio de la nueva ola.

Medio año después de la maqueta “Por Cierto”, autoeditada en formato digital y publicada en YouTube, han vuelto con “Mi novia es un nugget”.

“Creo que durante un tiempo únicamente subiremos canciones sueltas”, nos comentó Pau Sampera tras la publicación de este último track: no les perdáis la pista. (PC)

Anderson .Paak 

Soul, R&B, Rock, Hip Hop y experimentación dándose la mano y rodeando al virtuoso Anderson .Paak.

Uniéndose a la nueva ola de discos transgresores que se convierten en imprescindibles, clásicos que operan como instrumentos de mensaje y reivindicación, como “To Pimp A Butterfly” de Kendrick Lamar o “Black Messiah” de D’Angelo, “Malibu” fue «la primera gran justificación del año en estos términos», como apuntábamos en nuestro primer análisis.

La música de Anderson .Paak no deja nada al azar: selecciona y filtra cuidadosamente sus influencias y las reproduce «bajo un mismo patrón plenamente distinguible». El disco es un claro diálogo entre pasado y futuro en el que su infancia y adolescencia interpretando en la iglesia se cristaliza en el tono evangelista que su voz adopta.

«Un talento arrollador en su mejor momento y con toda una página en blanco por rellenar, acercando las experiencias personales de un modesto hijo de una granjera surcoreana y un piloto de las fuerzas armadas que acabó en la cárcel», decíamos.

La polivalencia y la forma tan personal que adopta su música nos indica que no estamos delante de un buen interprete, si no de un artista que consigue hacerse dueño de su discurso y de su música, que puede adaptar cualquier música que le llegue a su proyecto y reconvertirla en un engranaje que trabaje para un propósito concreto. En este caso: «Malibu». (AM)

Mechatok

Mechatok cerraba el 2015 con su debut en vinilo, «Gulf Area«, un trabajo apasionante en el que el productor si situaba como uno de los que mejor estaban integrando las rítmicas latinas en un planteamiento vanguardista y dirigido al club.

Si en aquel EP el artista circulaba entre estéticas e influencias como pueden ser las de Fatima Al Qadiri, Errorsmith o Kamixlo, buscando un carácter más extraño y quizá serio de readaptar el Dubstep, el Pop, las bandas sonoras de videojuego y la lógica del Club, su regreso ha variado ligeramente el rumbo.

Lejos de sorprender o aportar nuevos abordajes a su sonido habitual, en el EP «See Thru» Mechatok ha querido seguir explorando la vertiente más dulce y emotiva de su música, aproximándose más al discurso que propone como productor de los artistas mencionados y no tanto al sonido que mostraba en «Gulf Area».

En cada una de las canciones observamos matices y pinceladas que varían y sitúan a Mechatok como un artista aventajado para experimentar con la sensibilidad Pop y las ideas de su favorito DJ Mustard, sonidos que tan bien se ha inserido en las propuestas outsiders actuales.

Sobrio y dando más peso todavía a las construcciones melódicas, es un ejemplo la canción que da nombre al EP. Las percusiones, relegadas a un segundo plano, dejan brillar tan solo sus característicos snaps a modo de caja y sus habituales y brillantes chimes.

Con estos recursos el artista consigue transmitir de forma pura aquello que su música siempre ha sugerido: ver más allá de la figura de jóvenes artistas outsiders como Bala Club, por ejemplo, y sacar a flote la magia interior de cada uno.

Eso es Mechatok, un productor que sabe ver más allá. (AM)

DJ Clara! 

Justo en un transcendental momento político en Europa, aquel que parece no observar ningún beneficio en la multiculturalidad, el Reguetón se integra de forma sutil en puntos claramente determinantes del terreno de la vanguardia electrónica: desde los catálogos de Hyperdub a las portadas de la ilustre tienda Boomkat.

La segunda edición de las mixtapes “Reggaetoneras” de DJ Clara! aparece en un momento muy particular: es la primera vez que una selección de este tipo ha recibido tanta atención por parte de un establecimiento tan respetado y se edita de forma limitada por un sello europeo en primera línea de vanguardia.

Editions Gravats, co-fundado por el parisino Low Jack, edita en casete una mixtape centrada en presentar Reguetón femenino como el de Tomasa Del Real, Ivy Queen o Planta Carnívora.

La gallega, colaboradora del colectivo PRR! PRR!, combinaba en esa mixtape limitada voces pioneras y contemporáneas en un momento en el que las cuestiones de género que han intervenido en el desarrollo popular del estilo están mutando hacia un nuevo paradigma. (FP)

Elysia Crampton 

Después de unos interesantes pasos previos, con “Demon City” (Break World, 2016) Elysia Crampton reafirmó su potencial juntando de paso algunos de los artistas más excitantes de la abstracción industrial con trazas de Grime que tanto ha dado de que hablar últimamente: Arca, Lotic, Chino Amobi, Lexxi y Rabit son algunos de los participantes.

En sus actuaciones la artista combina su faceta musical con un marcado componente artie impregnado de discurso transgénero, sin que eso terminase de convencer en su reciente paso por el MIRA.

Sin embargo, el potencial de sus producciones y la trayectoria ascendente que ha marcado su 2016 la convierten en una artista a no perder de vista. (PC)

Yves Tumor

La música de Yves es quizá la que más dista también de la propuesta habitual de PAN, donde ha debutado: son construcciones que se cimientan en cortos loops emotivos de música Soul (como en el caso del single, “The Feeling When You Walk Away“), o las muestras son sencillamente cortas frases de cualquier instrumento. Todos con determinada carga emotiva, se van matizando con capas y texturas más o menos ruidistas.

En este sentido, él se aleja de los recursos a los que nos hemos acostumbrado en los últimos semestres de deconstrucción Grime, con percusión y ruidos aislados que crean ritmos, la violencia en las texturas y las piezas con melodías áridas, todas ellas con una carga abiertamente política como las propuestas de Fatima Al Qadiri o el sello NON.

En Yves hay una voluntad espiritual que se acerca al Góspel de serpentwithfeet, una repetición casi litúrgica del sample que sigue la lógica del mantra. Tanto en su música como en la del de Tri Angle, los patrones de percusión brillan por su ausencia, porque son las melodías aquellas que guían el ritmo de la canción, y en el caso de Tumor, el loop.

En su música hay una exaltación del alma y la sensibilidad, una erótica de la vulnerabilidad que se convierte en reivindicación. En este caso ocupar un espacio vacío en la actualidad experimental: extraer los matices sensibles de la música popular afroamericana y hacer de ello su propio manifiesto. (AM)

Huma

En Huma el sonido es “muy físico, visceral y con una alta carga emocional”: en sus progresiones de acordes y texturas la fricción estalla frente a nosotros constantemente y la intensidad puede tocarse.

La intersección entre el extremo, la saturación y la profundidad es lo que describe este nuevo proyecto de Andrés Satué, miembro del dúo Esquelas y co-fundador de Versal, el festival Bicefal y la nueva editorial Hedonic Reversal junto a Miguel Sueiro de Bestiarie.

Su primer EP se titula “Las tres fases del movimiento” y llega inspirado por dos ideas sobre lo que entendemos por “movimiento”: la teoría de Meyerhold y las tres fases del movimiento en musculación. Los pulsos se obstruyen a sí mismos en piezas como “Excéntrica (Acción)” y la energía nos desborda en la evolución de “Isométrica”.

Klein

Esta artista británica con raíces nigerianas ha vivido en Londres, Los Angeles y Lagos, y todas estas influencias coinciden en su particular terapia musical. Producciones rugosas de baja fidelidad con patrones rítmicos bizarros, Spoken Word y breves melodías vocales de Gospel se unen en un patchwork sonoro con altas dosis de apropiacionismo para formar un producto íntimo, particular y esencialmente espiritual.

Debajo de cada composición de Klein hay un poso Gospel que muchas veces se ve reforzado por unas pocas palabras entonadas por la artista. Tal como explica la artista a Crack Magazine, en su disco titulado “Only” hay incluso un sample del Vine que Drake utilizó para anunciar “Shutdown“.

Su paso adelante en la exposición mediática llegó con el vídeo de “Marks Of Worship“, una de las piezas mas notables del disco que ha sido ilustrada por el realizador Akinola Davies JR, también jefe de Just Jam y uno de los principales impulsores del movimiento Nigerian Lives Matter. (AM)

Visible Cloaks 

Todo el proyecto de Visible Cloaks podría convivir dentro del diseño sonoro de «Bamboo Houses».

Un distintivo sonido enfocado al Pop germinado a partir de la influencia de músicos como Hiroshi Satoh o Midori Takada; la obsesión del dúo de Portland (Oregon) con la instrumentación MIDI y la tradición Ambient/Pop japonesa domina sus creaciones y el concepto de su exitosa serie de mixtapes, «Fairlights, Mallets and Bamboo».

En su segundo álbum, titulado «Reassemblage», construyen un mundo musical a partir de filias muy particulares: los primeros experimentos de la música generativa a través de software, el minimalismo italiano, el Pop y el R&B japonés de los 80, el fetichismo MIDI y la deconstrucción de samples vocales.

El resultado está entre el Ambient étnico, los «Eccojams» de Chuck Person y las producciones de un joven Ryuichi Sakamoto; en el título contribuyen Motion Graphics, Matt Carlson y la intérprete de culto japonesa Miyako Koda. (FP)

Boliden 

Sin hacer mucho ruido, el joven artista sevillano asentado en Barcelona José Delgado ha editado tres trabajos en este 2016, uno bajo su propio nombre y dos con su alias Boliden.

Como Boliden transita entre paisajes hauntológicos dotados de grooves que recuerdan tanto a la suciedad y contaminación de Actress como a la melancolía inherente de Burial; loops vocales y de percusión en baja frecuencia se suceden para crear composiciones en las que destaca esa ligera y exquisita tensión que se aplica a todos los elementos.

Como José Delgado descubre su versión más cercana al Drone y a la experimentación sonora con panoramas solitarios, expansivos y minimalistas.

El próximo 20 de enero Boliden publicará su disco debut en el sello inglés Seagrave y la nota de prensa lo describe como una fusión entre shoegaze y Techno en baja frecuencia. Permaneced atentos. (PC)

STA

La historia de STA se remonta 15 años atrás y tiene como protagonistas fundadores a dos barceloneses de origen argentino como Pablo (Pope) y Holy y a otro montón de músicos inquietos que han pasado por las diferentes mutaciones de Dub Corao, Strandius y ahora STA.

Componer, ensamblar y tocar un disco como “Goma” exige muchísima sabiduría, muchas horas de búsqueda y de experimentación, y mucha valentía para adentrarse en nuevos terrenos y saber cortar y editar para quedarse en lo esencial, lo que verdaderamente transmite, esa esencia que envenena al oyente y se recuerda para siempre.

Una aventura inspirada en el dub y el reggae, en su dulce e hipnótica cadencia y en su evocadora calidez, pero también en su afán explorador y en su desbordante imaginación y descaro, que ha escrito en “Goma” uno de sus más brillantes capítulos.

LANOCHE

Conocimos a la productora madrileña LANOCHE cuando se encargó de remezclar uno de los singles del dúo Desert para Modern Obscure Music.

Su intervención acercó “Quars” a la música de club, con una métrica Deep House sensitiva y elegante.

Su EP debut, “Inmensamente” (So Unreal, 2016), transita entre ese sonido y otras influencias como son el Dub Techno y el House estilizado y profundo que solía producirse en ciudades como San Francisco durante la década pasada (Dessous, Siesta, etc) y que recuerda al mejor DJ Sprinkles. (PC)

Nu Guinea 

El proyecto italiano de Early Sounds Recordings ejemplifica a la perfección lo que busca el sello: un sonido artesanal y con la luminosidad del pasado, ejecutado por músicos jóvenes con la simple motivación de encender sus aparatos y apretar el botón de grabación.

Durante ya varios años el mencionado sello lleva operando bajo el radar y dando forma poco a poco a una nueva comunidad de músicos y artistas italianos con un punto de vista muy personal a la hora de abordar la música de club

Se inspiran en la ciencia ficción desde un punto místico y fantasioso, historias antiguas de planetas imaginarios, conformando sus características musicales a partir de un rico abanico de influencias en las que interviene el Jazz, el Funk, la música de librería que comenzaba a incorporar patrones Disco (Bruton Music, etc) o el Afrobeat.

Aunque hay delicadeza, existe la cadencia que aportan los instrumentos reales y la percusión captada en vivo; existen las espaciosas líneas de sintetizador y líneas de bajo super expresivas que un día caracterizaron al Herbie Hancock de los 70 y proyectos como los Headhunters; los desarrollos no siguen las dictaduras de la música de club, pero sí se amoldan a esas necesidades.

Cualquier composición de Mystic Jungle Tribe (Dario di Pace, Raffaele Arcella Enrico Fierroo) o Nu Guinea (Lucio Aquilina y Massimo Di Lena) parece existir en otra dimensión: ambos proyectos comparten rasgos impresionistas y una instrumentación orgánica que se consigue a partir de manipular hardware con décadas a sus espaldas y hacerlo con la motivación única de la jam session.

“The Tony Allen Experiments”, lanzado a principios de año, es el mejor ejemplo de su carácter artístico. (FP)

G Perico 

«La mierda no para». Hay algo descorazonador en «Streets Don’t Love Us», G Perico parece exponer una condena contemporánea que dura apenas 2 minutos y medio.

Cuando la criminalidad sube por segundo año consecutivo en Los Ángeles, parece que la zona comienza a incitar a la joven escena Rap de la ciudad a recordar los años de cólera que marcaron el desarrollo del Gangsta Rap.

Hay quienes piensan que el revival del Gangsta Rap y el mood G-Funk es el gran triunfador del 2016 en cuanto a Hip Hop se refiere (YG, Kamaiyah, G Perico, etc), aunque se puede ver desde otra perspectiva: la necesidad de expresar el malestar candente de una época de transición para Estados Unidos ha levantado de su tumba el cadáver de Eazy-E o King Tee.

Desde South Central, G Perico desprende carisma y expone una versión de los hechos pesimista como la realidad misma. «Shit Don’t Stop» es una de las mixtapes del año. (FP)

Stayhigh 

Se percibe un diálogo interno, hay algo terapéutico en tracks como “Don’t U Worry” o “Anything Is Possible”. Es Footwork, lo sabemos porque reconocemos la estética, pero son canciones que impulsan y nos dirigen a un estado optimista más allá de sus signos musicales.

El material de Stayhigh puede verse como una respuesta, como una reacción consciente a nuestro entorno: el productor, también detrás del proyecto Kaotix, debutaba con “Kush, Rhodes & 808’s” presentando un EP que revela que puede existir un Footwork más nuestro lejos de la simulación.

“Look Around”, en la nota de prensa servida por Iberian Juke, ya avisaba que llevaba consigo un mensaje crítico hacia una sociedad “hipócrita y racista”. No podemos sensibilizarnos completamente con la situación de la comunidad afrodescendiente en Estados Unidos porque la mayoría estamos lejos de comprender ese contexto, pero como demuestra David hay situaciones comunes y la música es un medio para expresarlas:

“Recuerdo cuando empezaban a llegar las primeras pateras por mi zona cuando tenía 7 o 8 años y la reacción que hubo en la gente. No nos podemos comparar con Estados Unidos pero aquí también tenemos lo nuestro.”

David recoge los elementos que más influencia han dejado en él musicalmente, el piano Rhodes, la Roland TR-808 y la marihuana; junto a las cosas que tiene que decir, su presente y sus emociones, las integra en un discurso que cambia de forma elegante la idea de que tan solo estamos importando el género nacido en Chicago. (FP)