#TIU Plays Mahjong

2015: Best Artists

Nuestro 2015 a través de las figuras que más nos representan, los artistas y creativos clave para entender qué ha ocurrido y cómo ha ocurrido en este curso musical.

03.12.15
Frankie Pizá

Los artistas definen más que cualquier otra cosa a un año discográfico y musical; por encima de los discos, sellos o títulos, son algunas figuras determinantes como éstas las que ilustran qué ha ocurrido y cómo ha ocurrido.

Seguimos jugando al Mahjong en TIU, después de señalar a algunos de los talentos clave del ámbito local e internacional, destacando ahora a esas personalidades artísticas que más nos han representado en este curso. Algunas son obvias y otras quizá no, aunque todas comparten una característica primordial: su voz creativa se alza y trasciende por encima de meros EPs, álbumes o colaboraciones.

Kendrick Lamar, Drake, Oneohtrix Point Never, Powell, Holly Herndon y más en un análisis del 2015 planteado a través de 20 protagonistas. A buen seguro, muchos de ellos repetirán cuando mostremos los que para nosotros son los mejores discos del año.

Holly Herndon

"Platform"

«Si observamos la discografía de Holly Herndon, breve pero intensa por ahora y ligada al sello neoyorquino RVNG Intl., son muchas las vicisitudes a las que podemos atender o directamente podemos analizar para completar un retrato de la artista de Tennessee asentada en California.

Desde la contraposición de las dos fuentes mayoritarias de su discurso como son la tecnología y la voz humana, el mensaje impreso del single “Home” (dedicada como ella misma ha afirmado a la NSA) que apunta a cómo la indiscreción que favorece nuestras propias herramientas de relación y comunicación digital nos pueden afectar sentimentalmente, el apoyo del laptop ante una creciente tendencia que recupera los recursos analógicos o la ambigüedad en cuestión de géneros que proyecta su propuesta.

En cualquier caso o por encima de todo (y con “Platform”, su nuevo larga duración, en el mercado) Holly Herndon destaca por la manera en que construye sus creaciones y la empatía que consigue generar en el espectador y oyente: la graduada en el Mills College y actualmente realizando un doctorado en el Center for Computer Research in Music and Acoustics de Stanford recurre a rastros de su propia navegación en internet (“Chorus”, que utiliza un software desarrollado por su pareja, Mat Dryhurst, y que convierte sonidos grabados en segundo plano en percusión), sonidos producidos de forma natural por su laptop o más huellas de su relación con la tecnología para cuestionarse la incidencia que todo este escenario y ecosistema digital tiene en nosotros y nuestra actitud.

“Movement”, el primer contacto de muchos con esta artista norteamericana en 2012, ya recurría a la particularidad de grabar sonidos provenientes de cuerpos en movimiento y recoger las muestras de choques y destellos físicos a base de microfonía, para después procesarlos y utilizarlos en un collage digitalizado.

Su obra ha tomado una dirección más sesuda con el mencionado segundo largo (que recibe su título y se inspira potencialmente en el diseñador y teórico Benedict Singleton), que a lo largo de un breve tracklist consigue no solo alertarnos sobre el ambiente tecnológico que nos rodea, también plantea preguntas sobre el futuro político e impulsa a la masa en colectivo (sin restricciones de género o raza) a trabajar juntos en un futuro común, sirviendo ella “y su plataforma” como principal ejemplo.

Holly Herndon no solo es música electrónica experimental con un pie en el club y otro en la deconstrucción Pop, es la columna vertebral o más bien la unidad multidisciplinar en la que se interconectan otros individuos y talentos que ayudan a dar forma a su mensaje: Metahaven (el diseñador y creador de los vídeos para “Interference” y “Home”), la teórica Suhail Malik que inspiró “An Exit”, Amnesia Scanner, Colin Self, Amanda DeBoer, Stef CaersSpencer Longo (@chinesewifi), quien aportó las “esculturas de palabras” en las que se basó “Locker Leak”.

Extraído de: «#sonarU15: Conceptual Dance».

Kendrick Lamar

"To Pimp A Butterfly"

“Every nigga is a star.”

Es el sample de Boris Gardiner al comienzo de «Wesley’s Theory» quizá la mejor manera de explicar o más bien sintetizar un conglomerado tan ejemplar y lúcido como es «To Pimp A Butterfly». O mejor, explicar lo que es hoy por hoy Kendrick Lamar.

Al margen de lo puramente musical y narrativo que encontramos en ese segundo trabajo del nativo de Compton con Top Dawg Entertainment/Interscope, la agilidad y la brillantez a la hora de entrelazar influencias, tradición, experiencias y una visión única del presente, en Lamar se divisa desde «good kid, m.A.A.d city» un cambio paradigmático.

El más reciente poeta de un barrio icónico se convierte en un evangelista, un humano que impone «utilizar la celebridad para bien» antes de que la vanidad o la estética la desborden. Un rapper que junto con un contexto social en el que la música negra vuelve a tener la necesidad de volver a ser reivindicativa, lidera a su gente a través de su música.

Protestas en Cleveland coreando «Alright», niños en Nueva Jersey rodeando al MC como quien rodea a un héroe, a un Nelson Mandela. Son muchos los ejemplos de que Kendrick Lamar ha conseguido trascender su posición de rapero con un segundo álbum soberbio y sin igual, con lenguaje musical propio (que bebe de OutKast, Parliament/Funkadelic o se deja llevar por las intervenciones de Thundercat o Flying Lotus) y por encima de todo «una actitud». Una forma de ser positiva, unas pretensiones que están muy lejos del individualismo que hoy por hoy impera tanto en el género como en la industria.

Young Thug

"Barter 6"

Tiene trenzas teñidas, lleva gafas ostentosas, joyas de todo tipo y pantalones de mujer. Es delgado, su cuerpo parece más bien una anguila y su tono, su melodía al espitar parece la de un muñeco de trapo. Nadie diría que un vulgar joven de Atlanta, de esos que suele llevar todas sus nuevas riquezas encima, es capaz de alzarse como la voz más singular de su generación.

Después de Gucci Mane o Future, entre Lil Wayne, Rich Homie QuanMigos existe algo como Young Thug, un tipo capaz de presentarse con una reflexión única y con sofisticación en uno de los singles del año, «Constantly Hating», ser más outsider que iLoveMakonnen o intentar (teóricamente) matar a su mayor influencia para después reconciliarse y pegarse unas rimas junto a él.

Un tipo, thugga, que lanza sin previo aviso la mejor mixtape del 2015, «Barter 6», retrasa hasta lo desesperante su nuevo álbum y tiende un interesante puente hacia la música de club tras colaborar en el anthem veraniego de Jamie xx junto a Popcaan. Un genio que al fin y al cabo habla de superficialidades, de su mierda, pero que lo hace como nadie nunca lo ha hecho.

Arca

"Mutant"

«El sonido de Arca comenzó a diferenciarse en su álbum “&&&&&”, concebido como una suite por movimientos y que demostraba todo su potencial sonoro y comenzaba tan solo a insinuar su idiosincrasia global; varias figuras alienadas, como embriones, aparecían para dar una ligera tonificación visual al trabajo. “Xen”, un trabajo que hoy es visto por su creador como “frágil”, matizó y enriqueció su personalidad añadiendo más contenido artístico creado junto a Jesse Kanda, su frecuente colaborador.

Sujetos amorfos, formas alienígenas, esperpentos futuristas mutan con fluidez en los visuales que propone Kanda para Arca, ya sea en sus portadas, directos o videoclips ligados a “Xen”; la música de Ghersi, estridente y perversa, pero con un timbre melancólico (después han venido Lotic, Ash Koosha o ANGEL-HO, claramente influenciados por el sudamericano), aporta una sensualidad imprevista a esas modificaciones, a esos procesos de plástica desfiguración. Arca es la perfecta banda sonora para cualquier cuerpo en desintegración, pero una desintegración que no implica desaparición; casi equivale a una danza, un proceso continuo hacia un nuevo organismo.

Si en “Xen” ya se adivinaba la extravagante fantasía audiovisual con la que Arca quería traducir su interior, su lucha constante entre extremos,“Mutant” ha acabado por conectar al público con la causa del venezolano, ahora asentado en Londres. En el álbum todo lo antes propuesto, se amplifica: desde la sexualidad implícita, el culto y erótica del cuerpo, la provocación y la purga de traumas que han estado colisionando entre sí durante mucho tiempo en el interior de Ghersi».

Extraído de: «Mutant» es un explosivo viaje al interior de Arca.

Visionist

"Safe"

Desde su primera colaboración con Fatima Al Qadiri, la música de Visionist ha figurado como una de los ejemplos básicos y esenciales de la nueva experimentación instrumental con el ADN Grime.

Aunque en referencias como “Snakes” ya se insinuaba el cambio de dirección hacia una paleta de sonidos más etérea, abstracta y ensoñadora, fue con el doblete “I’m Fine” (Lit City Trax, 2014) cuando Louis Carnell acabó de definir el sonido que este 2015 ha abordado en su debut en largo para PAN.

Sus trazos electrónicos son trágicos y distantes, parecen llegar de un extraño, gélido limbo sin solución en el que el artista gravita y expresa sus ansiedades personales; de eso parece ir “Safe”, un retrato introspectivo del londinense en el que ha conseguido reducir a su mínima expresión las atmósferas inquietantes y envolventes que caracterizan a esta tendencia electrónica.

https://soundcloud.com/pan_hq/02-victim

Thundercat

"Where the Giants Roam / Field of the Nephilim"

Aunque con dos excelentes álbumes Thundercat ya había definido de una forma sublime su discurso, un aventurera, respetuosa y fresca reinterpretación contemporánea del Jazz Funk clásico que apuntaba a rastros como los de George Duke, Gary Bartz o el primer George Benson, ha sido en este 2015 cuando su voz ha empezado a distinguirse como crucial influencia.

Su participación determinante en álbumes como los de Kendrick Lamar o Kamasi Washington hablan de su versatilidad y cualidades como ningún otro ejemplo, aunque su mini-álbum lanzado el pasado mes de junio ha resultado clave para pulir la imagen virtuosa del bajista norteamericano ligado también a Brainfeeder.

«Where the Giants Roam / Field of the Nephilim» es una soleada banda sonora en la que Thundercat ha encontrado por fin su voz única como músico; un mini-álbum en el que dialoga instrumentalmente con Herbie Hancock y purga su alma tras unos dramáticos sucesos personales, como la muerte inesperada de varios amigos cercanos.

https://soundcloud.com/brainfeeder/thundercat-them-changes

Vince Staples

"Summertime ’06”

Staples tiene ese gen que comparten todos los grandes del género, aquellos que saben hacernos partícipes sin que nos quememos, sin que la historia nos sobrepase por pura soberbia al ser contada. Esa graduación y saber hacer estaba en el ADN de una generación que el joven Vince ni pudo vivir en persona. Una generación que comenzó con Nas.

Al igual y compartiendo con Joey Bada$$ o, por ejemplo, los RATKING, Staples se alza con «Summertime ’06” como la voz principal capaz de mantener la tradición y no por eso tener que esclavizarse a ella, sustituyendo a su paisano Kendrick Lamar, que ya ha adquirido su propia y única dimensión.

El trabajo impulsado por Def Jam está llevándose el cetro a más intenso, respetuoso (con los convencionalismos y tradición), cualitativo y narrativamente genuino álbum de Rap de la temporada, un clásico básico que sucede tras otros grandes documentos, tales como «Doris» de Earl Sweatshirt o «My Krazy Life» de YG.

Consulta aquí: «Summertime ’06 es el nuevo esencial del Hip Hop en la West Coast y lo ha firmado Vince Staples».

Mumdance & Logos

"Proto"

Logos y Mumdance han debido escuchar cientos o quizá miles de veces el ‘Devils Mix’ de Wiley para el clásico Grime “We’re Ready” de East Connection.

En ese white label puede encontrarse ejemplificada en su perfección la teoría y práctica del concepto ‘weightless’ que rodea la creación de su sello conjunto Different Circles, una nueva manera de desviar la atención del oyente primordialmente centrado en los bombos y percusiones y demostrar cómo aún disimulando o eliminándolos de la ecuación, el impacto con la pista de baile de algunas armonías puede ser igual o semejante.

Logos ya reimaginó el Grime instrumental gracias a su esencial álbum debut para Keysound Recordings, aquel “Cold Mission” que reducía la esencia del estilo y convertía su anatomía en una sucesión de sonidos, efectos, rastros Jungle, melodías de ciencia ficción y decadentes notas solitarias e ingrávidas.

Jack Adams aka Mumdance, autor de uno de los «Fabriclive» más idolatrados de los últimos tiempos y pareja de producción que ha catapultado a Novelist al estrellato internacional, posee una personalidad sonora camaleónica, en la que intervienen no solo Grime o Jungle, también Hardcore y Dubstep primigenio.

Juntos, y además de su proyecto editorial conjunto, han cristalizado sus influencias compartidas y coincidencias sonoras en «Proto», un largo monumental para Tectonic capaz de establecer una nueva percepción de la música de club por sí mismo, tal y como hiciera años atrás «Classical Curves» de Jam City.

Levon Vincent

"S/T"

“This is music for the ugly ducklings of the world.” “Music for swans. If you are you’re a member of the rat race, climbing around a dumpster with the other rats vying for power, you may of course listen, but know – this is not music for you. This is action against you.”

Levon Vincent es uno de los más respetados, por su música e intachable proceder durante casi una década de actividad como uno de los exponentes clave en el resurgir del House y Techno hecho en Nueva York (junto a los Jus-Ed, Fred PDJ Qu o Joey Anderson), mucho antes de que L.I.E.S. editara su primer plástico.

El productor de culto, asentado desde hace años en Berlín, debutaba este año en largo con un álbum homónimo que vino cargado con un mensaje crítico hacia los mecanismos que rigen la industria musical y editorial. Una iniciativa que aunque coherente y lógica, es totalmente novedosa en el ámbito de la música electrónica.

La no comunión del norteamericano con los circuitos de distribución musical tradicionales, así como las corporaciones o grandes aparatos de la industria musical se observó en su decisión de lanzar el trabajo como descarga gratuita durante 24 horas, antes de ser planchado en un carísimo triple LP. Dentro del disco aparecían títulos como «Anti-Corporate Music».

Drake

"If You're Reading This It's Too Late"

Dejar en la lona a Meek Mill después de iniciar un beef estúpido e innecesario, con dos o tres singles brillantes. Tener en su haber la canción y videoclip más viral del 2015, el disco (mixtape) más vendido y ser el artista más reproducido en Spotify. Por si fuera poco OVO Sound sigue dando ejemplo a todos los niveles: curación, impulso de nuevos artistas y márketing.

Sin embargo, no son esos los factores clave que han convertido a Drake en un icono, ni siquiera la influencia que comienza a observarse en todo el mundo, incluido España (con C. Tangana como principal confirmación del asunto). Mwëslee, capo de Arkestra Discos, lo resumió de forma sublime en su colaboración para el artículo «La influencia de Drake en la voz de nuestros artistas»:

«Que un judío canandiense de clase media, a priori con todo en su contra, haya conseguido establecerse como el nuevo paradigma del mundo del hip hop y del pop ya merece todo nuestro respeto, además de ser un jarro de agua fría para los integristas de lo “real” y los “cuatro elementos”.

Ha perfeccionado un nuevo cánon (previamente esbozado por Kid Cudi e intentando con resultados irregulares por Kanye West) donde ser uno mismo sin miedo a mostrarse vulnerable es la clave para afrontar esa falta de “street cred” que tanto se le echó en cara al principio.

A nivel sonoro renueva la tradición RnB con electrónica y pop etéreo y insufla mil nuevos matices a un género necesitado de un nuevo punto de vista y que sin duda ha creado escuela. Por supuesto destacar a Noah “40” Shebib como co-arquitecto indispensable de un sonido característico lleno de envolventes sintes polares, pianos fantasmagóricos y laberínticas programaciones.

Cuando congregas entre sus fieles al elitista fan de la electrónica y al thug, a la madre que lo ve como el yerno perfecto y a la estudiante de 15 años fan de Bieber es que estás tocando los botones adecuados».

SOPHIE

"Product"

McDonalds, Samsung, Madonna, LIZ o Le1f son algunos de los nombres y marcas que tienen en común a un único y perseguido productor: el británico SOPHIE. Pionero de la estética maximalista, contagiosa y extrema que ha revolucionado la música electrónica a través de PC Music, comenzó a despuntar en el sello escocés Numbers con dos EPs entre los que se podía encontrar la pieza “Bipp”.

Después de lanzar un segundo plástico con el colectivo liderado por Jackmaster en agosto de 2014 (“Lemonade / Hard”), el artista regresaba a Numbers para cerrar el círculo: «Product» es una suerte de LP debut en el que incluye todas sus contribuciones a la marca y las complementa con cuatro nuevas producciones. Y mercadotecnia única, artificial y de PVC en la que encontramos un consolador o una chaqueta tipo bomber.

“MSMSMSM”, “Vyzee”, “L.O.V.E.” y “Just Like We Never Said Goodbye” son algunas de las nuevas canciones de SOPHIE: todas marcadas por su carácter histriónico, disparatado, excesivo, con melodías y timbres que recuerdan a cuando «retorcemos plástico» o el fuerte olor a perfume nos incita a huir. SOPHIE es incómodo, divisivo y revelador como ningún otro proyecto hoy en día.

Powell

"Insomniac"

Oscar Powell es una unidad radical, visceral e inimitable en términos de estética, rítmica y unión transversal de influencias como el Techno, EBM o el post-Punk: desde su primer release en el sello que comparte con Jamie Williams, Diagonal Records, el británico ha desarrollado un discurso de idiosincrasia impactante y que traslada el patrón club a unos tratamientos muy poco ortodoxos.

Su mecánica es mutante, en ocasiones incoherente. Su planteamiento golpea sin preámbulos. Su modo de configurar material club es incendiario: parámetros electrónicos e instrumentales de todo tipo colapsan, chocan y se mezclan desde un enfoque que solo el londinense conoce.

Ritmos de violencia contenida, secos e indisciplinados, que evolucionan con cierta inestabilidad son la principal característica de un discurso a través del que se ha levantado el estilo de la propia marca, que en los últimos tiempos ha incluido material de Prostitutes, Shit & Shine, Russell Haswell, Bronze Teeth, Not Waving, Streetwalker, Death Comet Crew o The Skull Defekts, por mencionar tan solo algunos.

Este año ha recalado en XL Recordings junto a Zomby o Special Request, dando una nueva dimensión y posibilidad comercial a su discurso. Los movimientos de la marca inglesa, tratando de apadrinar a una nueva generación de productores que reinventan el legado de la electrónica británica, son también uno de los acontecimientos clave en este 2015.

Jamal Moss

"We Are Not The First"

La música electrónica es un campo ideal para ciertas almas y propuestas que “reniegan” de cualquier sistema preestablecido o similar. En concreto, Jamal Moss daría con la definición perfecta de artista fuera de los márgenes, con su propia y única autenticidad: con más de una década de experiencia y trayectoria desde su Chicago natal, el productor ha armado un discurso que relaciona como ningún otro espíritu cósmico y psicodélico, afrofuturismo, música electrónica sin pretensiones, destartalada, sucia, e improvisación ligada al Free Jazz.

Aunque siempre se ha definido por su productividad y múltiples proyectos, el que como Hieroglyphic Being conserva intacto el espíritu Techno de la ciudad del viento construido por nombres como Joe R. Lewis, Steve Poindexter o Armando Gallop ha firmado prácticamente una decena de títulos en este 2015.

Destaca entre todos ellos la colaboración Hieroglyphic Being & J.I.T.U Ahn-Sahm-Bul para RVNG Intl. y su recopilación de tracks como I.B.M., «From The Land Of Rape & Honey (The Suppressed Tapes) 1995 – 2005».

Skepta

"Shutdown"

“I think Americans enjoy listening to [grime] as something different, how they would listen to punk or whatever.” (Skepta)

Skepta es junto a Novelist, Jammer, Stormzy o Shorty, uno de los nombres británicos ligados a la nueva era Grime que está siendo colonizado por la escena Hip Hop norteamericana, empezando por el supuesto modelo de roles que es Kanye West (quien para su presentación de “All Day”, subió al escenario este año con todos estos protagonistas y más para evidenciar la atención al presente del género británico). Ya hablamos de ello en este artículo.

La apropiación no empezó ahí, más bien lleva evolucionando desde que Darq E Freaker produjo su primer instrumental para algún rapper estadounidense o Jeff Weiss decidió por primera vez hablar en su blog sobre la actualidad del estilo.

Skepta lleva tiempo en el juego y el negocio, aunque nunca antes había experimentado tal resonancia a su alrededor; Drake, A$AP Rocky, Flatbush Zombies, Jamie xx y muchos más activos dispares y lejanos quieren colaborar con él o ya lo han hecho. Boy Better Know es ya una firma reconocida a nivel internacional y el protagonista de singles como “That’s Not Me” o “Shutdown” va camino de ser el nuevo Wiley.

Ambas canciones son himnos que a largo plazo se relacionarán de forma indisociable con la resurrección del género en UK y su verdadera explosión en el extranjero.

Jamie xx

"In Colour"

Con “In Colour” y su producto de música de baile para todos los públicos, su embriagadora mezcla de aires post-Rock, R&B, Gospel, patrones House clásicos y ese particular aderezo de sonoridad tropical que forma la característica y accesible manera de ver la música electrónica desde los ojos de Jamie xx, ha llegado una nueva obra en la que el grueso del público no totalmente familiarizado con el género volcará su entusiasmo.

Y con razón: el británico es un productor excelente, conocedor de una gran variedad de disciplinas y con un don muy particular para hacer encajar piezas sonoras o elementos a priori, esquivos.

Basta observar cómo entrelaza una interpretación insípida como es la de “Loud Places” con una muestra del coro más famoso de la discografía de Idris Muhammad; o cómo consigue descontextualizar sin hacer daño a Popcaan y, más concretamente, a Young Thug, voluntariamente encasillado en el perfil street Rap y que nunca pensó protagonizar ninguna canción del verano. Al menos de esa manera.

Oneohtrix Point Never

"Garden Of Delete"

Daniel Lopatin lleva 14 álbumes mutando y progresando hacia dibujos creativos cada vez más enrarecidos, laberínticos y bizarros, amplificando con cada una la presencia de su memoria, recuerdos, traumas y fetiches, luchando contra ideas preconcebidas tanto musicales como personales.

Si “Replica” fue una sutil regresión a su pasado realizada con los primeros prototipos “técnicos” que construirían su discurso más reciente, “R Plus Seven” fue un ejercicio de estilo abstracto y alucinatorio que trataba de crear un conglomerado que incluyera todas sus pasiones musicales.

Allí ya se observó la yuxtaposición (que se suceden de forma rápida y encadenada en una articulación que recuerda al staccato) de recursos clásicos, órganos in crescendo, arpegios, melodías orientales, grabaciones, notas New Age y elementos rítmicos singulares que también caracterizan a “Garden Of Delete”, un segundo documento con Warp Records que llega más alto y propone una autobiografía, un valiente viaje a la pubertad de Oneohtrix Point Never que ha desembocado en una obra sin igual, sin sinónimos.

La música de Lopatin como OPN es vectorial, las composiciones destacan por el continuo contraste entre elementos clásicos, analógicos de clara distinción (arpegios Trance, por ejemplo), y procesos digitales, una hiperrealidad en sí misma, envolvente, ornamentada al milímetro y meticulosa que parecía dar vida a una acción estroboscópica sin inicio ni final, solo diversas escenas sin conexión entre sí.

Según comentábamos en un artículo de análisis previo a «G.O.D.», el disco con la campaña promocional más genial de los últimos años (en la que han intervenido el alienígena ficticio Ezra o la banda «hypergrunge» Kaoss Edge):

«Ha resultado en un autorretrato en el que Lopatin parece haber vertido algunas primerizas sensaciones y gustos musicales, descontextualizándolos y liberándolos de su forma natural. Es decir: parece que la introducción de Ezra como ente y fantasía es una forma metafórica con la que OPN expresa su sentimiento juvenil de “sentirse outsider” al ganar la primera autonomía en cuanto a criterio musical».

«Rincones y esquinas de su memoria musical y residuos en ese abultado “jardín de desechos” (el título del álbum es una referencia clara a las dificultades para recordar de Lopatin) que suele ser nuestra memoria reconfigurados y reinsertados en su guión creativo después de una experiencia reveladora acompañando a Nine Inch Nails en tour y, según comentó a Billboard el propio Lopatin, la consecuencia de volver a escuchar mucha música “con guitarras” y “cybermetal”.

Rustie

"EVENIFUDONTBELIEVE"

Rustie ha permanecido callado la mayor parte del año, aunque su gesto de autoridad y determinación al lanzar su tercer largo con Warp Records habla de él como uno de los artistas más importantes de su generación, al margen de la estética musical que ha encabezado junto a Hudson Mohawke.

Una vuelta a las guitarras épicas y cósmicas, a los riffs edulcorados, a los lásers, a los arpegios embriagadores, una vuelta al éxtasis y al in crescendo infinito. “EVENIFUDONTBELIEVE” es Rustie solo, sin nada ni nadie con quien rendir cuentas, salvo con él mismo. “EVENIFUDONTBELIEVE” es Rustie encontrando por fin la transcendencia a través de su música. Un STOP y regreso a los básicos tras un «Green Language» que le obligó a estar donde no quería estar.

Consulta aquí: «La iluminación de Rustie en «EVENIFUDONTBELIEVE».

Beatrice Dillon

"Face A/B"

Discípula de la escuela clásica y con conocimientos de bajo y batería, Beatrice Dillon ha demostrado saber tratar el ritmo con gusto y precisión quirúrgica: un claro ejemplo sería la cinta de casete “Folkways II” editada por The Trilogy Tapes, para la que Beatrice Dillon se valió únicamente de temas de percusión del catálogo de Folkways Records.

En esta misma dirección, en el álbum “Studies I-XVII for Samplers and Percussion” (Snow Dog, editado por fin desde hace tan solo unas semanas), Dillon se junta con Rupert Clervaux para firmar 17 cortes basados en instrumentos de percusión y samples de archivo, creando bocetos y diseños rítmicos que van desde el Jazz a estructuras club.

La británica cultiva además una excelente relación con uno de los sellos de culto de la actualidad, Where To Now?, con el que ya ha editado el excelente «Blues Dances» y «Face A/B» este curso.

Esas dos referencias demuestras que Dillon se está divisando como una de las propuestas más significativas de la escena electrónica europea, con un pie puesto en la pista de baile y otro en la experimentación.

Floating Points

"Elaenia"

Alrededor del concepto de “Elaenia”, Sam Sheperd comentaba hace poco en una entrevista con FACT Mag que a menudo se encontraba dando vueltas al concepto o el paralelismo de que “crear una canción es como crear o construir una habitación en un espacio concreto”“Space and separation, and the way that the sound of a room can be a sound in itself.”

De sus palabras podemos sacar en claro que su álbum debut tiene mucho que ver con su experiencia como ingeniero de sonido y erudito en cuanto a sistemas de audio, curtido en las noches del legendario Plastic People.

Su primer largo llega después de más de un lustro encadenando pequeñas referencias normalmente editadas en Eglo Records, vaticinando un cambio de rumbo tanto en su carrera como en su autonomía editorial.

Floating Points impulsa su propio sello Pluto para prensar “Elaenia”, un documento que traslada de una forma completa la experiencia sonora que su discurso quiere transmitir en el oyente; amables composiciones de acento club pero con complejos arreglos e incursiones de genéricas como el Jazz o el Ambient.

Jlin

"Dark Energy"

«Motivos orquestales, voces sintetizadas, ecos, percusiones con cambios tonales y un lirismo muy personal trasciende al escuchar el discurso y primer álbum de Keener Chi, la nativa de Gary (Indiana) que con su largo “Dark Energy” ha conseguido dibujar nuevas vías de experimentación para el Footwork.

Basta escuchar atentamente “Black Ballet” para que la idea se traslade a nuestra cabeza; el planteamiento revelador y contraste entre elementos de la pieza definen a la perfección esta primera tentativa al formato, aplaudida por la crítica y que fue impulsada por Planet Mu junto a Knives, la iniciativa editorial que Kuedo ha inaugurado con Joe Shakespeare.

Cortes como “Unknown Tongues”, con su destilación vocal y detalles de percusión exótica, el embellecido alienado de “Ra” o “Black Diamond”, así como la intervención de Holly Herndon en “Expand“, dan buena muestra del surtido de posibilidades y recursos que baraja Jlin. Su debut ha empujado a otros artistas de su generación a esforzarse más en la búsqueda de nuevos caminos para la evolución del género, una evolución que hasta hace poco no parecía posible».

Extraído de: «Break it Down: Avance y protagonismo del Footwork en el año electrónico».