#TIU Plays Mahjong

2015: Best Albums

50+1 de los discos que mejor combinan con nuestra personalidad como plataforma: las obras incontestables de un 2015 que para nosotros, tiene estos esenciales.

28.12.15
Frankie Pizá

Siempre complicada y difícil de construir, una lista de los mejores álbumes del año es siempre la que mejor define a un medio de comunicación de este tipo, como el nuestro, con la ambición de informar y analizar sobre el presente, pasado y futuro de la música en su vertiente más vanguardista.

Nuestra gran ilustración del 2015 finaliza con los 50+1 discos que mejor comunican y concuerdan con nuestra identidad sonora y personalidad como plataforma; documentos transgresores, innovadores, obras incontestables en un género o movimiento que, o bien abren nuevos caminos, o suponen el punto más inspirado para el autor que las firma.

Seguimos jugando al Mahjong y dentro de muy poco, el juego con todos los protagonistas tendrá una forma completa y en la que podremos observar desde la panorámica de nuestro escritorio a todos los rostros y símbolos que han marcado este curso que ya acabamos.

50. Black Zone Myth Chant

"Mane Thecel Phares"

Editions Gravats

Tan solo una minoría atendió el debut del proyecto Black Zone Myth Chant en el sello Winged Sun cuando en 2011, el propietario del sello y personalidad detrás del proyecto, High Wolf (también Annapurna Illusion), lanzaba la excelente, discordante casete “Straight Cassette”, un material entre la creación beat-abstracta de acento ruidista y deconstrucción de samples exóticos con punto psicodélico que sería reeditada por el sello Laitdbac Records a principios de este 2015, prensando los cortes en vinilos por primera vez.

En 2015 el pseudónimo ha ganado aún más fuerza con un álbum sensacional e igualmente distorsionado para el sello de Low Jack y Jean Carval, Editions Gravats: “Mane Thecel Phares” bascula rítmicamente entre el Hip Hop, el Downtempo o el Footwork, planteando un diseño sonoro a su vez tan conocido como difícil de clasificar.

Con ecos de Balam Acab Forest Swords, con algo de Ras G y una seña de identidad clara divisada en la inclinación hacia sonidos/percusiones de aire africano, el LP resulta en una de las sorpresas electrónicas menos esperadas de este 2015.

49. Deantoni Parks

"Technoself"

Leaving Records

“The relationship between music and technology is always evolving … but true music can not exist without a soul. Some extraordinary musicians augment their natural talents with technology, adopting its benefits to fuel their own singular vision.”

Este final de campaña nos ha deparado alguna que otra sorpresa: cuando comienza “Our Shadow”, un corte extraído del segundo álbum del baterista/hombre-máquina Deantoni Parks, debut con Leaving Records, la atención sube al 100%. Los ritmos que parecen pre-grabados y las tensas, desnudas ecuaciones de percusión, los samples entrecortados crean algo sin catalogación hoy en día.

Colaborador junto a John Cale, Sade, The Mars Volta, Flying Lotus y detrás del proyecto KUDU (entre otros), Deantoni Parks titula a su álbum debut “Technoself”, una intrépida propuesta en la que su habilidad, técnica y destreza con el instrumento es el principal recurso tecnológico.

El músico ha comentado sobre el álbum:

“The sound result of Technoself is a digestion of sounds being refined, filtered, and re-arranged in the time period of the average thought.”

En nota de prensa, apuntaban:

“The album plays out like a percussive crash course winding through Parks’ diverse influences and moods, where the only constant is Deantoni’s unmistakable sense of movement. In this case, the most important piece of technology turns out to be the human body.”

El disco cuenta con 11 cortes, algunos de ellos construyendo interesantes puntos de conexión con el Footwork o la música de club, y prácticamente con un 70% del material grabado en directo.

https://soundcloud.com/leavingrecords/deantoni-our-shadows

48. Russell Haswell

"As Sure As Night Follows Day"

Diagonal Records

Camaleónico y cambiante, el (definido por Diagonal Records“Noise demagogue and Diagonal mascot” se inspira en algunas de sus influencias más variopintas para parir los 17 cortes que componen su segundo largo con el label: “Mills & Hood-era Hardwax, J-noise, Midlands metal and Suffolk Cyder”.

“As Sure As Night Follows Day” supone una confirmación de la nueva y accesible vertiente creativa explorada por el veterano Russell Haswell a través del sello de Powell; feroces jams analógicas con forma estructural y que basan su naturaleza en las ecuaciones rítmicas y estéticas degradas e industriales, como ya lo hizo el también esencial “37 Minute Workout”.

https://soundcloud.com/factmag/russell-haswell-hardwax-flashback

47. Jamie xx

"In Colour"

Young Turks

Con “In Colour” y su producto de música de baile para todos los públicos, su embriagadora mezcla de aires post-Rock, R&B, Gospel, patrones House clásicos y ese particular aderezo de sonoridad tropical que forma la característica y accesible manera de ver la música electrónica desde los ojos de Jamie xx, ha llegado una nueva obra en la que el grueso del público no totalmente familiarizado con el género volcará su entusiasmo.

Y con razón: el británico es un productor excelente, conocedor de una gran variedad de disciplinas y con un don muy particular para hacer encajar piezas sonoras o elementos a priori, esquivos.

Basta observar cómo entrelaza una interpretación insípida como es la de “Loud Places” con una muestra del coro más famoso de la discografía de Idris Muhammad; o cómo consigue descontextualizar sin hacer daño a Popcaan y, más concretamente, a Young Thug, voluntariamente encasillado en el perfil street Rap y que con “I Know There’s Gonna Be (Good Times)” ha adquirido para todos una nueva dimensión.

46. RJ & Choice

"Rich Off Mackin"

10 Summers/Pushaz Ink The Label

No se trata solo del material propio que DJ Mustard o YG puedan calibrar en conjunto o en solitario, se trata de la influencia que ambos están provocando a todos los niveles en la escena Hip Hop/R&B situada en California: desde el más reciente éxito de IamSu producido precisamente por el intensamente productivo Mustard a la creación del sello que ambos comparten, 10 Summers/Pushaz Ink The Label.

“Rich Off Mackin” es el mejor sucesor posible o imaginable para el esencial “My Krazy Life” de YG: la obra, debut del dúo RJ & Choice (el primero asentado en la zona, Los Ángeles, y el segundo venido de Seattle), supone una nueva evolución para el estilo orientado al club, minimalista en cuanto a recursos y tremendamente adictivo de Mustard (incialmente acuñado ratchet), quien figura como principal constructor del álbum, compuesto por 15 originales.

Destacan singles como “Get Rich”, precisamente junto a IamSu, o la aparición de otros nombres cercanos como Que, Casey Veggies o Jay 305, entre otros. Además, y como otro factor de distinción para categorizar la excelente mixtape, la incursión de samples o muestras de tono Blaxploitation ofrece un nuevo camino que explorar y explotar para la escena, y a su vez conecta el material con otros activos más clásicos e iconoclastas de la zona, como pueden ser Madlib o similares

45. Future

"DS2"

Epic / Freebandz Ent.

Lo que debió ser “Honest” ha tardado en llegar y tiene el nombre de “Dirty Sprite 2”, un tercer álbum disfrazado de mixtape que presenta al Future más sincero y enfrentado con sus demonios, aquellos generados por las inestables críticas hacia ese segundo largo irregular en el que quiso abrazar una dirección más Pop y la reciente ruptura sentimental con Ciara.

“Tried to make me a pop star, and they made a monster”, comenta en “I Serve the Base”, uno de los singles y frases más determinantes del conjunto, que llegaba después de una mitad de 2015 extra-prolífica por parte del de Atlanta, alcanzando con éste 3 documentos en su cuenta personal (después de “Monster”, llegaron “56 Nights” y “Beast Mode”).

El Future más nihilista, regresando a la esencia codeínica de la primera parte de la serie, y contando con excelentes producciones servidas por los tres grandes de su círculo, como son Zaytoven, Metro Boomin Sonny Digital.

Además, aparecen en “DS2” cosas como la balada “Rich $ex”, en la que se puede percibir la línea continuista con “Pluto”, en la que turbulencias personales se dan la mano con hibridación R&B que se reproduce en cámara lenta.

 

44. Mittland och Leo

"Optimists"

JJ Funhouse

Entre los franceses Antena o Broadcast, con densos aunque diáfanos pasajes de sintetizador que recuerdan al Soul electrónico austero de Jeff Phelps, el maestro estonio UKU KUUT o al primer LP lanzado por el contemporáneo MOON B, Milan Warmoeskerken y Joke Leonare forman el dúo artístico Mittland och Leo desde su residencia en Amberes (Bélgica).

La pulsación de sus composiciones es la clave para adentrarse en su discurso, así como el componente preciosista de sus arreglos electrónicos, conectando al mismo tiempo con la estética pastoral de Ghost Box o con melodías que claramente llevan a nuestra memoria a pensar en el Aphex Twin de los 90, el de “Selected Ambient Works”.

Las percusiones y el texturizado de sus instrumentos es también carismático, tal y como evidencia su álbum debut lanzado a través del pequeño sello JJ Funhouse, titulado “Optimists”. Ellos mismos se definen de forma gráfica y sintetizada en tan solo unos cuantos atributos y referencias: “Psychedelic organpop and atonal synth weirdness as sensualizing cherries on top of a minimal beat cak.”

43. SOPHIE

"Product"

Numbers

McDonalds, Samsung, Madonna, LIZ o Le1f son algunos de los nombres y marcas que tienen en común a un único y perseguido productor: el británico SOPHIE. Pionero de la estética maximalista, contagiosa y extrema que ha revolucionado la música electrónica a través de PC Music, comenzó a despuntar en el sello escocés Numbers con dos EPs entre los que se podía encontrar la pieza “Bipp”.

Después de lanzar un segundo plástico con el colectivo liderado por Jackmaster en agosto de 2014 (“Lemonade / Hard”), el artista regresaba a Numbers para cerrar el círculo: “Product” es una suerte de LP debut en el que incluye todas sus contribuciones a la marca y las complementa con cuatro nuevas producciones. Y mercadotecnia única, artificial y de PVC en la que encontramos un consolador o una chaqueta tipo bomber.

“MSMSMSM”, “Vyzee”, “L.O.V.E.” y “Just Like We Never Said Goodbye” son algunas de las nuevas canciones de SOPHIE: todas marcadas por su carácter histriónico, disparatado, excesivo, con melodías y timbres que recuerdan a cuando “retorcemos plástico o silicona” o el fuerte olor a perfume nos incita a huir. SOPHIE es incómodo, divisivo y revelador como ningún otro proyecto hoy en día.

42. O$VMV$M

"O$VMV$M"

Idle Hands

Aunque es difícil seleccionar tan solo uno de los proyectos que hayan surgido del caldo de cultivo que ha sido y es Young Echo, sin duda .es uno de los más apasionantes; el colectivo asentado en Bristol ha revolucionado la escena electrónica y de vanguardia de la zona, readaptando para una nueva audiencia los cánones construidos por gente como Peverelist o Pinch hace una década.

Neek (respetado por su trabajo más orientado al Grime y Dancehall junto a Kahn) y Amos Childs (50% del meloso proyecto Jabu) crean detrás de O$VMV$M pequeñas viñetas turbias y de grandes propiedades psicotrópicas, fragmentos sonoros creados a partir de loops adulterados y que se asemejan a ciertas exploraciones del primer Lee Gamble o al Illbient de DJ Spooky y Spectre.

Ya probaron su discurso en el sello No Corner con “Memoryz Ov U“, y este largo debut con 8 pequeños sketches puesto en circulación por Idle Hands acaba por consolidar la calidad de la propuesta; un producto de insinuación electrónica más que de acción, las composiciones se pueden observar casi como estelas o emisiones residuales.

41. die Reihe

"Trap Studies"

Anòmia

Imagina deconstruir el Trap, programar una secuencia de todos sus elementos más representativos (desde la tensa percusión a los característicos tresillos) como si de un plato de Ferran Adrià se tratara. O por qué no imaginar una cinta didáctica que eduque sobre la anatomía de la derivación Hip Hop generada en el dirty south planteando bocetos de todos sus rasgos por separado.

La plataforma comandada por Arnau Sala en Barcelona, Anòmia, se reactivó después de un tiempo de silencio editorial y en menos de dos meses planteó hasta tres nuevas referencias en formato casete. El catálogo se ensancha con nuevos nombres como el de Article Collection o Gene Pick. Destaca en cualquier caso en esta nueva etapa el apasionante estudio sobre el ADN Trap del proyecto die Reihe.

“Trap Studies” propone 5 secciones en los que el esqueleto instrumental del Trap se descompone y plantea con sus elementos independientes, utilizando un banco de sonidos básico para su confección.

https://soundcloud.com/anomiaprod/anm016-die-reihe-trap-studies-cs-excerpt

40. Dreamcrusher

"Hackers All of Them Hackers"

Fire Talk

Para los no profanos en temática ruidista: imaginen a un Alberich de piel negra y visualizarán a Dreamcrusher, un proyecto que va dejando un olor a amianto a su paso y que proyecta la sustancia Noise más agresiva, sórdida y devastadora de la actualidad electrónica.

Luwayne Glass es un nativo de Wichita ahora asentado en Brooklyn que lleva más de una década dentro del subterráneo Noise y la escena experimental norteamericana, programando beats de estética industrial bañados de depravación y frecuencias extremas que impactan con dureza en el oyente, aunque nunca incomodándolo.

Con un discurso parecido al de su contemporáneo Sewn Leather, por ejemplo, Dreamcrusher da el salto a un respetado sello discográfico después de años lanzando referencias limitadas, casetes y conjuntos tan dislocados como fue “INCINERATOR” en 2014. “Hackers All of Them Hackers” es su salvaje carta de presentación definitiva.

https://soundcloud.com/firetalk/sets/dreamcrusher-hackers-all-of-them-hackers

39. M.E.S.H.

"Piteous Gate"

PAN

Janus está construyendo su propia y singular voz. Si su asociado más polémico y consagrado como es Lotic clamaba oposición ante la sobriedad, el minimalismo y las formas convencionales y limpias de la naturaleza electrónica establecida en el Berlín de hace más de una década, M.E.S.H. recrea en su música y potencialmente en su álbum debut un escenario que interrelaciona el presente con una de esas ideas de futuro en el que los rastros de humanidad son escasos.

Mientras Lotic se inclina por dejar paso a la sexualidad, la promiscuidad que los ritmos latinos llevan intrínsecos y ensuciar su sonido a voluntad mientras el Berlín electrónico clásico le mira contonearse encima de la cabina, el también norteamericano autor de “Piteous Gate” enfoca sobre la idea de trasladar la ansiedad común del usuario y humano actual ante la sobreinformación y recepción de impulsos digitales, una idea muy explotada y recurrente pero que con James Whipple como amplificador gana un tono triste y desesperanzador que ni Oneohtrix Point Never, ni Giant Claw u otros arquitectos con el plunderphonics por bandera han conseguido transmitir.

Suyo es un brutal collage de sonidos, estímulos y recortes engrasado como una maquinaria genéticamente alterada para la ocasión y la acción: basta escuchar atentamente “Epithet” para observar como los ritmos ásperos, las angulosas ecuaciones de rasgados cibernéticos cuajan a la perfección y demuestran una radicalidad y sobre todo fisicidad que otorga un contrapunto brillante a la obra editada por PAN.

https://soundcloud.com/selftitledmag/piteous-gate

38. Low Jack

"Sewing Machine"

In Paradisium

Philippe Hallais es en estos momentos uno de los productores mejor dispuestos y caracterizados para empujar al Techno a nuevos niveles tanto de concepción como de sonoridad.

Como Low Jack, el francés ya ha dejado clara su prioridad por texturas rugosas, abrasivas y sucias, aunque nunca de una forma tan visceral y desnuda como en su segundo largo, el excelente “Sewing Machine”, lanzado a través de In Paradisium.

La música del 50% de Editions Gravats (junto a Jean Carval) quema, es casi una quemadura química la manera en la que el productor tiene de hacer explotar las ráfagas de ruido encima de armazones viciados y saturados.

Los procesos por los que pasa cualquier composición de Low Jack conectan en un mismo sujeto a Marcus Mixx, el Mr. Fingers más agresivo o figuras contemporáneas como Rezzett, Metasplice y Actress, por mencionar algunos.

37. Letta

"Testimony"

Coyote Records

Un productor de Arizona, ex-camello y con pasado conflictivo, conviviendo en uno de los barrios más conflictivos de Los Ángeles como es Skid Row, parece conocer las propiedades del Grime casi de forma nativa, implementándolas de una forma intensa y dramática.

Letta es uno de los mejores ejemplos de la influencia del género británico en Estados Unidos, país con el que UK siente una admiración mutua que ha desembocado en que artistas como Novelist o Skepta estén despuntando fuera de su país. Es la continuación de un proceso de asimilación que ha tenido como primeras etapas a Starkey o a SD Laika.

“Testimony” es un LP de Grime instrumental emotivo y nocturno, editado por un sello como Coyote Records, responsable de lanzar material de nombres como Last Japan, Spokes y OH91.

https://soundcloud.com/factmag/letta-ghosts

36. Helm

"Olympic Mess"

PAN

La relación del artista experimental británico Luke Younger con PAN ha proseguido y crecido en este 2015: a pesar de contar con su propia marca Alter, el autor confía en Bill Kouligas para seguir editando sus trabajos como Helm y en concreto, un segundo largo titulado “Oliympic Mess” que además ha dado un giro de guión sonoro en cuanto a lo que nos tenía acostumbrados hasta ahora. Sobre el disco, Younger comentaba en nota de prensa previa:

“It’s about exploring a perverse desire to pull the rug from under yourself, and the struggle to achieve a healthy equilibrium between one’s personal and artistic lives. Dealing with the problematic consequences of pushing your own limits, forming and dissolving relationships, transient lifestyles, physical and mental exhaustion, excess, and other kinds of personal chaos.”

Helm incide en un punto de vista que trata la música de club desde un punto de vista liminal, plano y sin segunda lectura, un acercamiento que recuerda a los primeros documentos creados por Heatsick. Y lo hace distanciándose también de su anterior actividad rítmica pseudo-ruidista e industrial, inclinándose en otras partes del disco a las formulaciones Ambient más densas y evocadoras.

“Olympic Mess” y sus 10 cortes corresponden a la época en la que el artista estuvo expuesto e influenciado por géneros como el Balearic, el Dub Techno o la música industrial basada en el tratamiento de loops. Según él mismo comentó, se inspira en “hypnotic states and feelings of euphoria.” 

35. ABRA

ROSE

Awful Records

ABRA es la principal voz femenina dentro del entorno Awful Records en Atlanta (con perdón de Tommy Genesis o Alexandria), una suerte de SZA con una inclinación más melancólica y también más vanguardista que además se ocupa de todos los aspectos de sus canciones, desde la producción, a las letras o la supervisión de la mezcla final a cargo de John Wade.

Después de algunos singles, un excelente primer EP y muchas colaboraciones con otros activos del colectivo y sello, ABRA sorprendió con un deal 95% en solitario, con la única intervención de Archibald Slim; “ROSE” la presenta como una voz dulce y sofisticada, que delira con suavidad y una elegancia estética que no interfiere en su enorme autenticidad.

https://soundcloud.com/darkwaveduchess/sets/rose

34. RP Boo

"Fingers, Bank Pads & Shoe Prints"

Planet Mu

Era febrero cuando Planet Mu y Mike Paradinas anunciaban un release que había estado persiguiendo, como sello y como usuario, desde hacía varios años: licenciar y catalogar por primera vez la serie de fotolitos Footwork creados por RP Boo a finales de los 90, bocetos y primarios intentos de una degeneración que con el tiempo se convertiría en lo que hoy conocemos.

Arpebu es el arquitecto inconsciente del estilo, quien a base de manipular una Akai MPC y varias librerías prestadas dio con una fórmula que más tarde acabaría perfeccionándose; era más o menos el año 1997, poco tiempo antes de la aparición (de forma local) de tracks como “Baby Come On” (corte que samplea a Ol’ Dirty Bastard), ’11-47-99′ (conocida como “The Godzilla track”) o “Night & Day” (otro clásico que muestrea el hit de Class Action, “Weekend”).

Después de recoger más de una década de trabajo de RP Boo en el excelente álbum debut “Legacy”, el veterano se enfrentaba a su segundo álbum largo con “Fingers, Bank Pads & Shoe Prints”.

Kawain posee una inconfundible sensibilidad a la hora de abordar sus composiciones; sus estructuras son ágiles y fibradas y aunque gira alrededor de conceptos simples y minimalistas, su forma de disponer, trozear samples vocales o implementar bajas frecuencias es única. RP Boo vuelve a demostrar el potencial de su dinámica y sonido.

33. Rustie

"EVENIFUDONTBELIEVE"

Warp Records

Rustie ha permanecido callado la mayor parte del año, aunque su gesto de autoridad y determinación al lanzar su tercer largo con Warp Records habla de él como uno de los artistas más importantes de su generación, al margen de la estética musical que ha encabezado junto a Hudson Mohawke.

Una vuelta a las guitarras épicas y cósmicas, a los riffs edulcorados, a los lásers, a los arpegios embriagadores, una vuelta al éxtasis y al in crescendo infinito. “EVENIFUDONTBELIEVE” es Rustie solo, sin nada ni nadie con quien rendir cuentas, salvo con él mismo.  es Rustie encontrando por fin la transcendencia a través de su música. Un STOP y regreso a los básicos tras un “Green Language” que le obligó a estar donde no quería estar.

https://soundcloud.com/rustie/first-mythz

32. Ash Koosha

"GUUD"

Olde English Spelling Bee

Partículas mínimas, texturas cristalinas y diseño fractal en el sonido de Ashkan Kooshanejad, iraní (Teherán) que ha actuado este curso como mejor impulso posible para la resurrección de un sello antaño admirado y visionario como fue Olde English Spelling Bee.

Comparado con Arca o Lotic por su diseño sonoro viciado y abstracto, aunque también con una vertiente emotiva, Ash Koosha introduce en “GUUD” su técnica de la “nano-composición”, que resulta en perturbadoras capas de sintes viciados y fragmentos, quebrados de percusión endemoniada.

“GUUD” fue autoeditado a principios de año y rescatado por la marca a mitad de 2015.

31. Mark Fell & Gabor Lázár

"The Neurobiology of Moral Decision Making"

The Death Of Rave

El futuro de la música de baile pasa por un banco de pruebas, pasa probablemente por reprogramar el código genético y rítmico de varios géneros característicos y unificarlos gracias a la potencia del software en un tejido de impulsos impredecible y que golpeé los cánones establecidos o reconocidos.

“By utilising the grid-morphing potential of Max/MSP software, they unlock mutant ballistic patterns cleanly weaving between and recoding the tendons and ligament of techno, garage, footwork and hardcore with muscle memory-reprogramming impact.”

Aunque esta tendencia experimental de replantear o recontextualizar patrones distinguidos en una sustancia electrónica hiperactiva y esencialmente dominada digitalmente por automatismos o logaritmos ya existía (Errorsmith, el proyecto de Mark Fell con SND o Sensate Focus, etc), es en los últimos años y con exponentes como Lorenzo Senni o Gabor Lázár que ésta ha acabado por adquirir la resonancia adecuada.

Con “The Neurobiology of Moral Decision Making” llega el documento más importante de los últimos tiempos en este sentido: dos de los máximos representantes de las técnicas centradas en el recalibrado rítmico de géneros como el Techno, House, UK-Garage o Footwork como son el británico y el de Budapest crean un conjunto de 10 piezas para The Death Of Rave que vale la pena analizar al detalle y atender con la precisión quirúrgica que ellos mismos dan a su tratado.

30. Robert Aiki Aubrey Lowe & Ariel Kalma

"FRKWYS Vol. 12: We Know Each Other Somehow"

RVNG Intl.

“We Know Each Other Somehow.”

Una de las más brillantes ediciones de la serie “FRKWYS” (acrónimo para “freak ways”) impulsada desde Nueva York por RVNG Intl. fue la que protagonizaron y germinaron en Jamaica Sun Araw, M. Geddes Gengras y los legendarios The Congos, una unión inspiradora y coherente que provocó multitud de complementos, entre ellos un documental.

Hasta hoy, 2015, ninguna de las parejas o encuentros creativos ideados y forzados por la marca han tenido la repercusión o brillantez de antaño (con momentos cumbre como la unión de Blues Control y Laraaji, o la mítica plantilla formada por James Ferraro, David Borden, Laurel Halo, Daniel Lopatin o Samuel Godin): la coherencia que respira el material conjunto creado por el pionero synth francés Ariel Kalma y el artista experimental Robert Aiki Aubrey Lowe devuelve a la serie al régimen de atención que nunca debió abandonar.

Un álbum imperfecto y en el que se trasladan parte de las sesiones conjuntas realizadas por ambos artistas en la remota comunidad australiana de Mullimbimby: un viaje en el que la tendencia naturalista del norteamericano y el carisma New Age del explorador recientemente redescubierto por la marca (con la recopilación “An Evolutionary Music (Original Recordings: 1972 – 1979)”) comulgan a la perfección y se unifican en una única autoridad electrónica.

29. Mumdance & Logos

"Proto"

Tectonic

Logos y Mumdance han debido escuchar cientos o quizá miles de veces el ‘Devils Mix’ de Wiley para el clásico Grime “We’re Ready” de East Connection.

En ese white label puede encontrarse ejemplificada en su perfección la teoría y práctica del concepto ‘weightless’ que rodea la creación de su sello conjunto Different Circles, una nueva manera de desviar la atención del oyente primordialmente centrado en los bombos y percusiones y demostrar cómo aún disimulando o eliminándolos de la ecuación, el impacto con la pista de baile de algunas armonías puede ser igual o semejante.

Logos ya reimaginó el Grime instrumental gracias a su esencial álbum debut para Keysound Recordings, aquel “Cold Mission”que reducía la esencia del estilo y convertía su anatomía en una sucesión de sonidos, efectos, rastros Jungle, melodías de ciencia ficción y decadentes notas solitarias e ingrávidas.

Jack Adams aka Mumdance, autor de uno de los “Fabriclive”más idolatrados de los últimos tiempos y pareja de producción que ha catapultado a Novelist al estrellato internacional, posee una personalidad sonora camaleónica, en la que intervienen no solo Grime o Jungle, también Hardcore y Dubstep primigenio.

Juntos, y además de su proyecto editorial conjunto, han cristalizado sus influencias compartidas y coincidencias sonoras en “Proto”, un largo monumental para Tectonic capaz de establecer una nueva percepción de la música de club por sí mismo, tal y como hiciera años atrás “Classical Curves” de Jam City.

28. Murlo

"Odyssey"

Mixpak

“A club tune as intricate as a symphony.”

Murlo es más que combinaciones de sintes que se yuxtaponen de forma frenética sobre una vigorosa, demoledora estructura de percusión, y con “Odyssey” se ha demostrado y confirmado definitivamente.

El joven productor ha crecido alrededor del modelo genético del Grime y la influencia maximalista, creando beats tridimensionales y cegadores hasta confeccionar y pulir su propia marca de agua, en la que el poder melódico y el cuidado estético son fundamentales.

Además del release más generoso de su carrera, este mini-álbum con Mixpak es también su esfuerzo creativo más inspirado y completo.

27. Levon Vincent

"Levon Vincent"

Novel Sound

“This is music for the ugly ducklings of the world.” “Music for swans. If you are you’re a member of the rat race, climbing around a dumpster with the other rats vying for power, you may of course listen, but know – this is not music for you. This is action against you.”

Levon Vincent es uno de los más respetados, por su música e intachable proceder durante casi una década de actividad como uno de los exponentes clave en el resurgir del House y Techno hecho en Nueva York (junto a los Jus-Ed, Fred PDJ Qu o Joey Anderson), mucho antes de que L.I.E.S. editara su primer plástico.

El productor de culto, asentado desde hace años en Berlín, debutaba este año en largo con un álbum homónimo que vino cargado con un mensaje crítico hacia los mecanismos que rigen la industria musical y editorial. Una iniciativa que aunque coherente y lógica, es totalmente novedosa en el ámbito de la música electrónica.

La no comunión del norteamericano con los circuitos de distribución musical tradicionales, así como las corporaciones o grandes aparatos de la industria musical se observó en su decisión de lanzar el trabajo como descarga gratuita durante 24 horas, antes de ser planchado en un carísimo triple LP. Dentro del disco aparecían títulos como “Anti-Corporate Music”.

26. Elysia Crampton

"American Drift"

Blueberry Recordings

Boliviano y de naturaleza outsider desde sus primeras transmisiones en formato collage experimental, Elysia Crampton (anteriormente conocido bajo el pseudónimo de E+E) desarrolla su reciente discurso sobre una temática que, al igual que la de ANGEL-HO, reflexiona sobre el colonialismo, en este caso el ocurrido en Norte América.

“A concept study that follows Virginian American history, exploring brownness as more than culture or othering, as geology. As mud, dirt and mineral, enmeshed in lithic, vast time scales. American narratives are re-examined on this level: narratives of colonized and colonizer, slave histories, impact events and fern spikes, two-spirit and queer indigenous histories.”

Detrás de un concepto realmente complicado como éste, y en el sello de FaltyDL, Elysia formula interesantes piezas que a nivel sonoro se muestran exótica y transgresoras, pasajes de forma libre y experimental en los que los ritmos latinos como el tresillo o el Ambient denso tienen el mismo protagonismo.

Parece, al igual que puede hacerlo Palmistry, un discurso confidente y melancólico que ha puesto las bases sobre las que ahora operan proyectos como Malibu, Mechatok o mobilegirl.

25. PNL

"Le Monde Chico"

QLF Records

Rap que clama e incide sobre las desigualdades, con crítica y lírica flotando de forma natural sobre instrumentales ligeros y vaporosos. PNL son la nueva sensación del Hip Hop en Francia por la inclinación emocional en sus singles y por conseguir que cualquier chico o chica de los suburbios se identifique con su discurso.

Ademo y N.O.S. lanzaron el pasado octubre su esperado álbum“Le Monde Chico” al mercado y, por primera vez desde hace muchos años, han conseguido reconciliar a la crítica con las listas de ventas.

Singles como “Le Monde Ou Rien” y “Oh Lala” son ya clásicos contemporáneos, una nueva forma de adentrarse en los barrios marginales, sus hábitos, defectos y realidad; en la banlieue, donde los bloques de hormigón son el escenario que te espera día tras día.

24. DJ Richard

"Grind"

Dial Records

En DJ Richard confluyen lo mejor de la tradición Techno europea y la forma de ver el género de los norteamericanos que nacieron ya bien entrados los 90; el de White Material trata sus composiciones desde un punto de vista fiel y serio, aunque con cierto toque adulterado.

“Una transición hipnótica entre el techno y el drone inspirada por la añoranza de su Rhode Island natal que DJ Richard sintió al llegar a Berlín“, comentaban en la nota de prensa de “Grind”, debut en largo del productor en Dial Records y que ha resultado en uno de los documentos más sólidos del año dentro de la sustancia club.

23. Beatrice Dillon & Rupert Clervaux

"Studies I-XVII For Samplers And Percussion"

Snow Dog Records

Susie Ibarra es una compositora e intérprete de origen filipino que lleva desde la década de los 90 explorando las posibilidades abstractas del ritmo, la percusión folclórica así como las prácticas musicales tradicionales e indígenas. Al escuchar los breves sketches dentro del trabajo comisionado “Studies I-XVII For Samplers And Percussion”, se pueden observar grandes coincidencias y paralelismos con el trabajo de la autora.

El material del LP, creado por los artistas asentados en Londres, consta de 17 breves piezas creadas con percusión manipulada que oscilan de forma ecléctica por patrones compositivos que van desde el Jazz o el minimalismo a estructuras contemporáneas ligadas a la música de club.

Se trata de un documento que relaciona de una forma natural y simple las texturas que podríamos escuchar en cualquier documentación sonora del sello Smithsonian Folkways Recordings y la re-contextualiza desde otro punto de vista. A nivel sonoro, el material comparte atributos con Moondog, Shackleton o Konono No. 1:

“Using the sampler as “a digital mirror of the instrument being manually played” – which is neatly reflected in Anne Tetzlaff’s cover image of a finger reaching to its own reflection – the LP’s magic could be said to lie in the space we perceive between textureality and abstract representation.”

22. Hunee

"Hunch Music"

Rush Hour

Aunque una de las características de Hunee como productor era, en principio, su prolífica actitud creativa, han tenido que pasar casi tres años hasta que Hun Choi de el paso hacia un álbum debut que le reinsertará definitivamente como uno de los artistas orientados a la música de club más personales e imaginativos.

Con referencias repartidas entre diferentes sellos desde 2009 (W.T., Internasjona o Retreat) y esencialmente en silencio desde 2012, el residente en Ámsterdam lanza a través del imperio holandés Rush Hour un documento largo que pretende definir al completo la ecléctica y exótica personalidad de Hunee a la hora de abordar la métrica House.

Material altamente expresivo a nivel melódico y utilizará recursos tanto venidos del Techno, como del New Age o la música Disco

21. Visionist

"Safe"

PAN

Desde su primera colaboración con Fatima Al Qadiri, la música de Visionist ha figurado como una de los ejemplos básicos y esenciales de la nueva experimentación instrumental con el ADN Grime.

Aunque en referencias como “Snakes” ya se insinuaba el cambio de dirección hacia una paleta de sonidos más etérea, abstracta y ensoñadora, fue con el doblete “I’m Fine” (Lit City Trax, 2014)cuando Louis Carnell acabó de definir el sonido que este 2015 ha abordado en su debut en largo para PAN.

Sus trazos electrónicos son trágicos y distantes, parecen llegar de un extraño, gélido limbo sin solución en el que el artista gravita y expresa sus ansiedades personales; de eso parece ir “Safe”, un retrato introspectivo del londinense en el que ha conseguido reducir a su mínima expresión las atmósferas inquietantes y envolventes que caracterizan a esta tendencia electrónica.

20. Black Mecha

"AA"

The Death Of Rave

Derivado del entorno WOLD en Canadá surge el proyecto Black Mecha, una iniciativa en solitario de Fortress Crookedjaw que propone una “sci-fi vision of heavy electronics strongly informed by the outer limits of black metal and a cryptic, esoteric weltanschuuang.”

Entre el Black Metal más belicoso e intenso y las hipnóticas propiedades Doom, Black Mecha parece plantear un diálogo entre el automatismo digital y la fuerza ruidista animal y más furiosa; un proyecto extraño en naturaleza que parece replantear levemente propuestas tan cruciales y coléricas como las de Alberich incidiendo en la repetición y los tratados puramente estéticos.

Como si el Kevin Drumm de “Sheer Hellish Miasma” fuera controlado por Autechre o alguna figura similar.

19. Acre

"Better Strangers"

Tectonic

En cuanto a la experimentación con los límites del Jungle o el Grime, Acre es uno de los productores jóvenes más respetados y atendidos del momento. Aunque el asentado en Manchester lleva ya tiempo generando expectación y puliendo su discurso, es en este 2015 cuando su nombre se ha revalorizado gracias a un debut en largo portentoso.

Después de que Mumdance incluyera uno de sus cortes en su reciente “Fabriclive 80”, o se encargara de reinaugurar el sello de Visionist (renombrado como) Codes junto a Filter Dread, el artista regresó a Tectonic en el que es su décimo aniversario del sello de Bristol para lanzar “Better Strangers”, un título que lleva al sello de Bristol hacia nuevas dimensiones.

Alrededor de 12 cortes, Acre combina con eficacia y gran énfasis experimental genéricas como el Grime o el carácter melódico del R&B, operando en algún punto entre Shackleton, Kowton y FIS.

18. Floating Points

"Elaenia"

Pluto

Alrededor del concepto de “Elaenia”, Sam Sheperd comentaba hace poco en una entrevista con FACT Mag que a menudo se encontraba dando vueltas al concepto o el paralelismo de que“crear una canción es como crear o construir una habitación en un espacio concreto”“Space and separation, and the way that the sound of a room can be a sound in itself.”

De sus palabras podemos sacar en claro que su álbum debut tiene mucho que ver con su experiencia como ingeniero de sonido y erudito en cuanto a sistemas de audio, curtido en las noches del legendario Plastic People.

Su primer largo llega después de más de un lustro encadenando pequeñas referencias normalmente editadas en Eglo Records, vaticinando un cambio de rumbo tanto en su carrera como en su autonomía editorial.

Floating Points impulsa su propio sello Pluto para prensar “Elaenia”, un documento que traslada de una forma completa la experiencia sonora que su discurso quiere transmitir en el oyente; amables composiciones de acento club pero con complejos arreglos e incursiones de genéricas como el Jazz o el Ambient

17. Vince Staples

"Summertime ’06"

Def Jam

Staples tiene ese gen que comparten todos los grandes del género, aquellos que saben hacernos partícipes sin que nos quememos, sin que la historia nos sobrepase por pura soberbia al ser contada. Esa graduación y saber hacer estaba en el ADN de una generación que el joven Vince ni pudo vivir en persona. Una generación que comenzó con Nas.

Al igual y compartiendo con Joey Bada$$ o, por ejemplo, losRATKING, Staples se alza con “Summertime ’06” como la voz principal capaz de mantener la tradición y no por eso tener que esclavizarse a ella, sustituyendo a su paisano Kendrick Lamar,que ya ha adquirido su propia y única dimensión.

El trabajo impulsado por Def Jam está llevándose el cetro a más intenso, respetuoso (con los convencionalismos y tradición), cualitativo y narrativamente genuino álbum de Rap de la temporada, un clásico básico que sucede tras otros grandes documentos, tales como “Doris” de Earl Sweatshirt o “My Krazy Life” de YG.

16. James Ferraro

"Skid Row"

Skid Row es uno de los barrios de Los Ángeles que mayor poblaciónhomeless tiene en Estados Unidos y, por tanto, del planeta. Según James Ferraro, uno de los virtuosos subterráneos más influyentes de la última década en cuanto a sonido y conceptos se refiere, su nuevo largo se desarrolla a partir de una serie de poemas que él mismo comenzó a escribir en su larga estancia en LA:

“I was writing about the state of the world around me, living on what feels like the brink of societal collapse while also seeing high excess everywhere… all the sounds of the streets crept in… the echoing sirens in the early morning fog, soaked into the poetry and it became evident that LA is a hyper America. a place where violence (media and real life), excess and poverty, police exceptionalism & brutality, racism interact daily.”

James Ferraro lleva ya varios años atendiendo a este tipo de problemáticas “sociales” y los conflictos internos que la maltrecha sociedad norteamericana puede provocar en un artista o sensibilidad como la suya; ya en su más reciente trabajo, el último release lanzado por Hippos In Tanks de título “NYC, HELL 3:00 AM” ya planteaba una introspección nocturna y dispersa sobre el clima urbano de la ciudad y sus consecuencias.

“Skid Row” es el primer álbum de estudio grabado por Ferraro (aunque resulte difícil creerlo, toda su discografía e innumerables proyectos han sido grabados con técnicas más austeras e informales), donde sigue dando continuidad a la línea R&B alternativa y confesional que comenzó a dar forma en su injustamente ignorado proyecto como Bebetune$.

El largo, a la venta a través de Break World Records, fue precedido por un EP titulado “War” y que está inspirado en las sensaciones recogidas por Ferraro tras la inmersión en el programa de realidad virtual “Bravemind”, un recurso terapéutico destinado y utilizado por ex-combatientes y veteranos de la Guerra de Irak que presenten secuelas o desórdenes como el del estrés post-traumático.

15. Kode9

"Nothing"

Hyperdub

Después de casi un año confeccionando un primer álbum en solitario, Steve Goodman decidió desechar todo lo construido y comenzar desde cero. Buscando un concepto que le representara musical, emocional y políticamente, se topó con el “cero”, un valor numérico nulo que se ha extendido por todo el mundo como un virus, incorporándose en todas las culturas, con el “vacío” y las teorías cuánticas, además de documentos como PostCapitalism de Paul Mason, donde se habla del “Proyecto Cero” o la reducción a cero de los costes de producción (a nivel empresarial).

Fue en la víspera de Año Nuevo, cuando Kode9 dio con lo que él llama un “anti-concepto”, que daría título a su álbum: “Nothing”. Según Kode9, todo lo que había estado haciendo hasta ese momento era demasiado melódico y sintetizado, quería ser más “colder, more isolated, emptier.” El álbum define y perfecciona los patrones híbridos que el capo del sello había ya transitado hace unos años con singles como “Xingfu Lu”, explotando los intervalos rítmicos entre el Hip Hop y el Footwork de una forma intrépida y puramente experimental.

Él mismo posiciona el material del largo en un “vanishing point between grime, dubstep, footwork, a film soundtrack”, relatando así su carácter cercano a la banda sonora; las composiciones se tratan como el hilo musical dispuesto en el Nøtel, el escenario futurista y post-humano (“un hotel de lujo automatizado”) que será recreado por el artista audiovisualLawrence Lek en la representación en directo del álbum (a partir de 2016) y que trata directamente la idea de un “mundo en el que los humanos han sido esclavizados por las máquina y ya no existen, no se les necesita”.

14. Matana Roberts

"Coin Coin Chapter Three: River Run Thee"

Constellation

Ella se define como una “experimentadora” y ciertamente por momentos su música se acerca más a la etiqueta de lo “experimental” que a la del “jazz”, especialmente en su serie de álbumes “COIN COIN”, que ascenderá a los 11 volúmenes y que este 2015 ha recibido la tercera de esas partes, el excelso “Coin Coin Chapter Three: River Run Thee”.

La visión que Matana Roberts tiene del jazz ha estado siempre impregnada por el gusto vanguardista de su padre, la legendaria AACM (“Association for the Advancement of Creative Musicians“) de la que ha sido miembro y la inspiración que le han aportado figuras que van desde el radical Albert Ayler al incomparable Sun Ra.

Para este documento, la saxofonista indaga en la cultura y rasgos que nos traslada al sur de Estados Unidos y la memoria de la propia autora, como ella misma lo explica:

“Herein sits a sound panacea for what ails you, me, thee… a collection of sound meant to place tiume, place memory in that space beyond remembrance… This recording represents a 25 day sojourn (#southernsojourn2014) I took through parts of the/my american south by am, greydog, thumb, through pecan trees, farm fields, rivers running me, dark allies, cemeteries people no longer visit… curious places below the mason dixon line: a segment of the globe more foreign to me than any other place in the world…”

“She whispers a history that moves me, she whispers a history that technically made me… herein lies a fever dream of sound for your esteemed consideration. A fever dream in sound of my love for her tallest tales, heartiest songs, an most forlorn-est memory… Best heard in a dark room, loud, in one sitting, completely undisturbed, with someone you love, who also perhaps loves you too?”

13. Lotic

"Agitations"

Janus Berlin

Casi como alguno de los lienzos de Francis Bacon. Grotescos y seductores al mismo tiempo. Así funciona o se muestra la música de club concebida por Lotic y parte del colectivo Janus, quienes desde su residencia en Berlín han introducido un nuevo modelo de concebir la actitud electrónica, sin prejuicios y prácticamente opuesta a la limpieza, minimalismo y sobriedad de la tradición Techno de la ciudad.

El productor de Houston es el que mejor ejemplifica las intenciones del colectivo tanto con su forma de presentarse ante la audiencia, provocadora, gótica y sexual, como por su sonido, alienado y viscoso. Y de su generación, es el más expresivo y radical, superando las derivaciones Grime de Rabit o la complejidad sonora de M.E.S.H.

Su debut con Tri-Angle Records, “Heterocetera” llegó en la misma línea que la mixtape “Damsel In Distress”, uno de los podcasts que mejor le posicionaron en el pasado y su soberbia mixtape/álbum “Agitations”, su trabajo más generoso en el que el norteamericano entrega su mayor número de cortes originales hasta el momento.

12. Young Thug

"Barter 6"

300 Entertainment / Atlantic

Tiene trenzas teñidas, lleva gafas ostentosas, joyas de todo tipo y pantalones de mujer. Es delgado, su cuerpo parece más bien una anguila y su tono, su melodía al espitar parece la de un muñeco de trapo. Nadie diría que un vulgar joven de Atlanta, de esos que suele llevar todas sus nuevas riquezas encima, es capaz de alzarse como la voz más singular de su generación.

Después de Gucci Mane o Future, entre Lil Wayne, Rich Homie QuanMigos existe algo como Young Thug, un tipo capaz de presentarse con una reflexión única y con sofisticación en uno de los singles del año, “Constantly Hating”, ser más outsiderque iLoveMakonnen o intentar (teóricamente) matar a su mayor influencia para después reconciliarse y pegarse unas rimas junto a él.

Un tipo, thugga, que lanza sin previo aviso la mejor mixtape del 2015, “Barter 6”, retrasa hasta lo desesperante su nuevo álbum y tiende un interesante puente hacia la música de club tras colaborar en el anthem veraniego de Jamie xx junto a Popcaan. Un genio que al fin y al cabo habla de superficialidades, de su mierda, pero que lo hace como nadie nunca lo ha hecho.

11. Drake

"If You're Reading This It's Too Late"

OVO Sound

Este es uno de los álbumes que más copias ha vendido este año, y también uno de los que convierten a una estrella en algo más: un artista único a todos los niveles, amado y odiado, pero con su propia visión artística.

Dejar en la lona a Meek Mill después de iniciar un beef estúpido e innecesario, con dos o tres singles brillantes. Tener en su haber la canción y videoclip más viral del 2015, el disco (mixtape) más vendido y ser el artista más reproducido en Spotify. Por si fuera poco OVO Sound sigue dando ejemplo a todos los niveles: curación, impulso/colonización de nuevos artistas/territorios y márketing, mucho y buen márketing.

Drake ha formalizado en este 2015 su paso al estatus de gran estrella internacional sin perder ni un ápice de su personalidad y rasgos que le distinguen de la mayoría, sino, más bien, amplificándolos; se ríe de sí mismo con elegancia y humildad, es el lobo con piel de cordero, sabe cuándo golpear y está rodeado de los mejores en su campo. Noah “40” Shebib es uno de ellos.

“If You’re Reading This It’s Too Late” contiene obras maestras como “Know Yourself”, “Energy” o “Jungle”, entre otras.

10. Holly Herndon

"Platform"

RVNG Intl.

Si observamos la discografía de Holly Herndon, breve pero intensa por ahora y ligada al sello neoyorquino RVNG Intl., son muchas las vicisitudes a las que podemos atender o directamente podemos analizar para completar un retrato de la artista de Tennessee asentada en California.

Desde la contraposición de las dos fuentes mayoritarias de su discurso como son la tecnología y la voz humana, el mensaje impreso del single “Home” (dedicada como ella misma ha afirmado a la NSA) que apunta a cómo la indiscreción que favorece nuestras propias herramientas de relación y comunicación digital nos pueden afectar sentimentalmente, el apoyo del laptop ante una creciente tendencia que recupera los recursos analógicos o la ambigüedad en cuestión de géneros que proyecta su propuesta.

En cualquier caso o por encima de todo (y con “Platform”, su nuevo larga duración, en el mercado) Holly Herndon destaca por la manera en que construye sus creaciones y la empatía que consigue generar en el espectador y oyente: la graduada en el Mills College y actualmente realizando un doctorado en el Center for Computer Research in Music and Acoustics de Stanford recurre a rastros de su propia navegación en internet (“Chorus”, que utiliza un software desarrollado por su pareja, Mat Dryhurst, y que convierte sonidos grabados en segundo plano en percusión), sonidos producidos de forma natural por su laptop o más huellas de su relación con la tecnología para cuestionarse la incidencia que todo este escenario y ecosistema digital tiene en nosotros y nuestra actitud.

“Movement”, el primer contacto de muchos con esta artista norteamericana en 2012, ya recurría a la particularidad de grabar sonidos provenientes de cuerpos en movimiento y recoger las muestras de choques y destellos físicos a base de microfonía, para después procesarlos y utilizarlos en un collage digitalizado.

Su obra ha tomado una dirección más sesuda con el mencionado segundo largo (que recibe su título y se inspira potencialmente en el diseñador y teórico Benedict Singleton), que a lo largo de un breve tracklist consigue no solo alertarnos sobre el ambiente tecnológico que nos rodea, también plantea preguntas sobre el futuro político e impulsa a la masa en colectivo (sin restricciones de género o raza) a trabajar juntos en un futuro común, sirviendo ella “y su plataforma” como principal ejemplo.

Holly Herndon no solo es música electrónica experimental con un pie en el club y otro en la deconstrucción Pop, es la columna vertebral o más bien la unidad multidisciplinar en la que se interconectan otros individuos y talentos que ayudan a dar forma a su mensaje: Metahaven (el diseñador y creador de los vídeos para “Interference” y “Home”), la teórica Suhail Malik que inspiró“An Exit”, Amnesia Scanner, Colin Self, Amanda DeBoer, Stef CaersSpencer Longo (@chinesewifi), quien aportó las “esculturas de palabras” en las que se basó “Locker Leak”.

9. Arca

"Mutant"

Mute

El sonido de Arca comenzó a diferenciarse en su álbum “&&&&&”, concebido como una suite por movimientos y que demostraba todo su potencial sonoro y comenzaba tan solo a insinuar su idiosincrasia global; varias figuras alienadas, como embriones, aparecían para dar una ligera tonificación visual al trabajo. “Xen”, un trabajo que hoy es visto por su creador como “frágil”, matizó y enriqueció su personalidad añadiendo más contenido artístico creado junto a Jesse Kanda, su frecuente colaborador.

Sujetos amorfos, formas alienígenas, esperpentos futuristas mutan con fluidez en los visuales que propone Kanda para Arca, ya sea en sus portadas, directos o videoclips ligados a “Xen”; la música de Ghersi, estridente y perversa, pero con un timbre melancólico (después han venido Lotic, Ash Koosha o ANGEL-HO, claramente influenciados por el sudamericano), aporta una sensualidad imprevista a esas modificaciones, a esos procesos de plástica desfiguración. Arca es la perfecta banda sonora para cualquier cuerpo en desintegración, pero una desintegración que no implica desaparición; casi equivale a una danza, un proceso continuo hacia un nuevo organismo.

Si en “Xen” ya se adivinaba la extravagante fantasía audiovisual con la que Arca quería traducir su interior, su lucha constante entre extremos,“Mutant” ha acabado por conectar al público con la causa del venezolano, ahora asentado en Londres. En el álbum todo lo antes propuesto, se amplifica: desde la sexualidad implícita, el culto y erótica del cuerpo, la provocación y la purga de traumas que han estado colisionando entre sí durante mucho tiempo en el interior de Ghersi.

8. Main Attrakionz

"808s & Dark Grapes III"

Vapor Records

Main Attrakionz han pasado los últimos tres años madurando este trabajo, codo con codo junto a Friendzone y que otorga una muerta al Cloud-Rap devolviéndolo a su mejor estado, el más puro y original; mientras, se han tenido que recuperar de un batacazo como fue su major debut, aquel descafeinado “Bossalinis & Fooliyones” que les demostró a ellos y al mundo del Hip Hop que uno no puede, así como así, pervertir o abaratar sus valores sonoros.

Un período de sequía en el que tan solo algunos singles y vídeos aislados han calmado la sed de los amantes del Cloud-Rap, quienes todavía deben estar esperando el nuevo material prometido de Clams Casino (el productor italoamericano de Nueva Jersey Mike Volpe) con Tri-Angle; Main Attrakionz y su nuevo álbum no es solo un soberbio documento en el que tanto ellos como la producción vuelven a relucir, es también el mejor ocaso, la mejor defunción posible para una tendencia que se reduce a ellos, tan solo a ellos.

En realidad, los 12 cortes que se incluyen en “808s & Dark Grapes III” parecen piezas rescatadas de algún momento de 2011: esos acabados luminosos y ligero decaimiento de todas las percusiones, esos loops de sintetizador somnífero, las notas de piano melancólicas, el controlado delay de todos los elementos conjugando al 100% con el mood de los dos MCs, de nuevo más cómodos que nunca en ese tipo de decorado.

Los que han sido hijos del Cloud-Rap, aquellos productores que como Suicideyear germinaron mientras Friendzone destacaban, ven ahora como un movimiento tan escueto como importante en la historia del Hip Hop comienza una nueva vida, una suerte de reencarnación si lo vemos desde otra perspectiva: ahí es donde cada uno elige qué resolución sería la más adecuada, si dejar estar el cadáver o que este nuevo LP sea en realidad un renacimiento.

7. Kamasi Washington

"The Epic"

Brainfeeder

Kamasi Washington es junto a otros nombres como los de Makaya McCraven, Robert Glasper Darius Jones uno de los jóvenes músicos que está ayudando a un género como el Jazz a salir de sus cánones más establecidos, revolucionándolo con nuevas percepciones sin perder en el camino el rasgo purista.

Está arriesgando de nuevo, volviendo a generar un interés en una disciplina relegada a un segundo plano a nivel comercial y de público. Porque la escena Jazz actual no conecta de forma tan fuerte con los aficionados como pueden hacerlo los clásicos.

Acompañado de su banda “The Next Step” o “The West Coast Get Down”, el saxofonista de South Central (Los Ángeles) ha creado una obra de 172 minutos de duración, dividida en tres CDs y con 17 composiciones que han incluido una orquesta de 32 piezas y un coro de 20 personas en las grabaciones.

“The Epic” ha reintroducido como ningún otro álbum a las nuevas generaciones dentro del patrón jazzístico más espiritual y de tradición afroamericana, el de John Coltrane, Albert Ayler o Sun Ra. Y de largo ha sido la apuesta más consciente y personal de Brainfeeder.

La banda de Kamasi incluye al prodigioso bajista Thundercat y su hermano Ronald Bruner Jr., Miles Mosley, Tony Austin, Brandon Coleman, Cameron Graves o el trombonista Ryan Porter, entre otros y además de las voces puntuales de Patrice Quinn.

6. Theo Burt

"Gloss"

Presto!?

La serie CZ de sintetizadores Casio (el CZ-1 o el CZ-5000, por ejemplo), creada en la década de los 80, tenía la síntesis por distorsión de fase (“phase distortion”) como principal propiedad.

Theo Burt utilizó en 2009/2010 únicamente uno de esos sintetizadores originales para componer el material que se reúne en “Gloss”, uno de los álbumes electrónicos más singulares del curso, editado por Presto!? un lustro después de su concepción real.

Un método de creación y resultado que resulta rompedor por concepto y estética: Burt consigue generar un sonido tremendamente maximalista desde una fuente muy concreta y simple, y el sonido que escuchamos no se parece a nada que hayamos presenciado antes.

Alineado por técnicas y apariencia con nombres como Gábor Lázár, Lorenzo Senni, EVOL o Mark Fell, Theo Burt consigue con “Gloss” la síntesis Pop del futuro.

5. Dr. Yen Lo

"Days With Dr. Yen Lo"

Pavlov Institute

Menos es más.

Ka es como Ghost Dog, el personaje de Jim Jarmusch, un samurái contemporáneo que camina por el barrio espiritualmente tranquilo, sirviendo sus enseñanzas con el sosiego y la contención que aportan la paz interior y un punto de vista privilegiado.

Muchos raperos suplen su falta de lírica, ideas y realidad con grandes producciones y alardes, más imagen que hechos o actitud. Muchos MCs se encadenan a sonadas colaboraciones y compran beats caros a los más codiciados beat-constructores del momento, creyendo que así conseguirán el valor añadido que su posición les debe otorgar.

Si comparamos cualquiera de esos raperos que tienes en la cabeza con Ka, es más que evidente que el de Brooklyn camina en una dirección muy opuesta, un nivel mayor de seguridad, sensatez, simplicidad y manipulando con destreza un factor casi inexistente en el Hip Hop de hoy: el “contenido emocional”.

La voz de Ka mantiene los niveles de tono y nunca oscila en ganancia, se conserva tranquila e imperturbable, no demuestra rabia barata y prácticamente su imagen desaparece de las composiciones, de las historias que consigue tejer con inteligencia y reposo.

“Days With Dr. Yen Lo”, con Ka producido íntegramente por Preservation bajo el nombre de Dr. Yen Lo (en todos sus álbumes, esenciales como “Grief Pedigree” o “The Night’s Gambit”, él ha sido el único productor siguiendo una tónica tradicional tal y como lo hace otro de sus contemporáneos a la misma altura de excelencia, Roc Marciano), se inspira en el film de John Frankenheimer The Manchurian Candidate (1962) para tejer una metáfora que compara nuestros días dominados por el sistema con el argumento de la obra cinematográfica.

Aunque se respira más paranoia en los ambientes que suelen rodear las letras de Ka en este disco, más tensión e intriga, su brillantez en la síntesis y la forma en la que relaciona experiencias, filosofía, realidad y fantasía es realmente desbordante.

4. Jlin

"Dark Energy"

Planet Mu

Motivos orquestales, voces sintetizadas, ecos, percusiones con cambios tonales y un lirismo muy personal trasciende al escuchar el discurso y primer álbum de Keener Chi, la nativa de Gary (Indiana) que con su largo “Dark Energy” ha conseguido dibujar nuevas vías de experimentación para el Footwork.

Basta escuchar atentamente “Black Ballet” para que la idea se traslade a nuestra cabeza; el planteamiento revelador y contraste entre elementos de la pieza definen a la perfección esta primera tentativa al formato, aplaudida por la crítica y que fue impulsada por Planet Mu junto a Knives, la iniciativa editorial que Kuedo ha inaugurado con Joe Shakespeare.

Cortes como “Unknown Tongues”, con su destilación vocal y detalles de percusión exótica, el embellecido alienado de “Ra” o“Black Diamond”, así como la intervención de Holly Herndon en“Expand“, dan buena muestra del surtido de posibilidades y recursos que baraja Jlin. Su debut ha empujado a otros artistas de su generación a esforzarse más en la búsqueda de nuevos caminos para la evolución del género, una evolución que hasta hace poco no parecía posible.

3. Binker & Moses

"Dem Ones"

GearBox

El menos es más en la creatividad. La escasez y la síntesis como punto a favor en el terreno jazzístico es lo que proponen el dúo Binker & Moses, un proyecto de generación casi espontánea que ha dejado atónitos a los expertos y aficionados al Jazz por igual, ya que hacía tiempo que una propuesta tan minimalista y alejada de las técnicas de grabación comunes no recibía tanta atención y opiniones.

Inspirados por la improvisación y expansión de miras musicales que marcó la última etapa creativa de John Coltrane o Albert Ayler, o el saxofonista todavía en activo Charles Lloyd (al que ambos citan como influencia clave), Binker Golding Moses Boyd consiguen construir un discurso que unifica de forma visceral y muy natural experimentación, intuición y primitivismo.

Un saxofón y una batería, mucha fuerza y efusividad, es lo único que han necesitado para crear “Dem Ones”, una de las sorpresas en el plano jazzístico reciente junto a, por ejemplo, Kamasi Washington y su “The Epic” o proyectos como el de ZS, Christian Scott, Makaya McCraven o Matana Roberts.

Binker y Moses conversan instrumentalmente de un forma efusiva, repleta de júbilo y energía, entablando una relación que respira originalidad y naturalidad.

2. Kendrick Lamar

"To Pimp A Butterfly"

Al margen de lo puramente musical y narrativo que encontramos en ese segundo trabajo del nativo de Compton con Top Dawg Entertainment/Interscope, “To Pimp A Butterfly” es un ejemplo sublime sobre la agilidad y la brillantez a la hora de entrelazar influencias, tradición, experiencias y una visión única del presente. En cualquier caso y en términos generales, en Lamar se divisa un cambio paradigmático con respecto “good kid, m.A.A.d city”.

El más reciente poeta de un barrio icónico se convierte en un evangelista, un humano que impone “utilizar la celebridad para bien” antes de que la vanidad o la estética la desborden. Un rapper que junto con un contexto social en el que la música negra vuelve a tener la necesidad de volver a ser reivindicativa, lidera a su gente a través de su música.

Protestas en Cleveland coreando “Alright”, niños en Nueva Jersey rodeando al MC como quien rodea a un héroe. Son muchos los ejemplos de que Kendrick Lamar ha conseguido trascender su posición de rapero con un segundo álbum soberbio y sin igual, con lenguaje musical propio (que bebe de OutKast, Parliament/Funkadelic o se deja llevar por las intervenciones de Thundercat o Flying Lotus) y por encima de todo “una actitud”.

Una forma de ser positiva, unas pretensiones que están muy lejos del individualismo que hoy por hoy impera tanto en el género como en la industria. Lamar es consciente de la situación sensible que vuelve a rodear a la comunidad afroamericana y la realidad decepcionante de la Estados Unidos de un deprimido Barack Obama, 

1. Oneohtrix Point Never

"Garden Of Delete"

Warp Records

OPN es como el Dalí de nuestro tiempo experimental y electrónico, un artista que ha creado su propio universo artístico a nivel sonoro, visual y conceptual, un entorno en el que sus composiciones tienen algo de delirio surrealista, tejido con la misma minuciosidad e imaginación que lo hiciera el pintor y también algo de autobiográfico.

Daniel Lopatin lleva 14 álbumes mutando y progresando hacia dibujos creativos cada vez más enrarecidos, laberínticos y bizarros, amplificando con cada una la presencia de su memoria, recuerdos, traumas y fetiches, luchando contra ideas preconcebidas tanto musicales como personales.

Si “Replica” fue una sutil regresión a su pasado realizada con los primeros prototipos “técnicos” que construirían su discurso más reciente, “R Plus Seven” fue un ejercicio de estilo abstracto y alucinatorio que trataba de crear un conglomerado que incluyera todas sus pasiones musicales.

Allí ya se observó la yuxtaposición (que se suceden de forma rápida y encadenada en una articulación que recuerda al staccato) de recursos clásicos, órganos in crescendo, arpegios, melodías orientales, grabaciones, notas New Age y elementos rítmicos singulares que también caracterizan a “Garden Of Delete”, un segundo documento con Warp Records que llega más alto y propone una autobiografía, un valiente viaje a la pubertad de Oneohtrix Point Never que ha desembocado en una obra sin igual, sin sinónimos. Música electrónica que no suena a nada conocido.

La música de Lopatin como OPN es vectorial, las composiciones destacan por el continuo contraste entre elementos opuestos y familiares, clásicos, analógicos de clara distinción (arpegios Trance, por ejemplo), y procesos digitales, una hiperrealidad en sí misma, envolvente, ornamentada al milímetro y meticulosa que parecía dar vida a una acción estroboscópica sin inicio ni final, solo diversas escenas sin conexión entre sí.

Según comentábamos en un artículo de análisis previo a“G.O.D.”, el disco con la campaña promocional más genial de los últimos años (en la que han intervenido el alienígena ficticio Ezrao la banda “hypergrunge” Kaoss Edge):

“Ha resultado en un autorretrato en el que Lopatin parece haber vertido algunas primerizas sensaciones y gustos musicales, descontextualizándolos y liberándolos de su forma natural. Es decir: parece que la introducción de Ezra como ente y fantasía es una forma metafórica con la que OPN expresa su sentimiento juvenil de “sentirse outsider” al ganar la primera autonomía en cuanto a criterio musical”.

“Rincones y esquinas de su memoria musical y residuos en ese abultado “jardín de desechos” (el título del álbum es una referencia clara a las dificultades para recordar de Lopatin) que suele ser nuestra memoria reconfigurados y reinsertados en su guión creativo después de una experiencia reveladora acompañando a Nine Inch Nails en tour y, según comentó a Billboard el propio Lopatin, la consecuencia de volver a escuchar mucha música “con guitarras” y “cybermetal”.

0. D'Angelo & The Vanguard

"Black Messiah"

RCA

El más importante documento de la tradición musical afroamericana en el último lustro y de nuevo única muestra de un enfoque igualmente “único” (en el que, como en “Brown Sugar” o “Voodoo”, se incorporan los desarrollos del Jazz al R&B y se funden con métricas Hip Hop) y carácter inconfundible (probablemente y después de Prince, el más importante valuarte del género) llegó rodeado de cuestiones políticas, sociales y derivadas del estado de forma e inspiración del propio músico, en silencio desde el 2000.

El mismo D’Angelo lo comenta en las notas del disco:

“It’s about people rising up in Ferguson and in Egypt and in Occupy Wall Street and in every place where a community has had enough and decides to make change happen “Black Messiah is not one man. It’s a feeling that, collectively, we are all that leader.”

“Black Messiah” es un punto de apoyo universal en el que cada miembro de la comunidad afroamericana puede identificarse y sentirse salvaguardado, una manera de solidificar los lazos alrededor de un ente o álbum que crea un contexto donde conviven, a partes iguales, las declaraciones sociopolíticas y la experiencia de D’Angelo en los últimos 14 años de su vida musical y personal.

“Black Messiah” mandó un mensaje al dolido espíritu negro después del asesinato de Michael Brown, Eric Garner Tamir Rice, entre otras víctimas de la brutalidad policial recientes en aquel momento y actuó en forma de “banda sonora” para la “lucha”, renovando la decaída o atrofiada atención en la lucha contra la desigualdad y el racismo. Y lo hizo mejor que nadie, antes que nadie.

“Black Messiah” es algo en lo que creer, no un título ni una entidad o figuración; además, es el superlativo y virtuoso disco que ha reconciliado a un genio sin precedentes con su persona musical e interna, además de con toda la industria y comunidad artística. Un disco que es esperanza, esperanza para las personas y esperanza para la música negra.