#Entrevistas

Una conversación pendiente con Samuel Kerridge

Poder, crudeza física; fascinar y fijar tus sentidos.

25.05.17
Frankie Pizá

Introducción de Frankie Pizá

Texto y entrevista de Antton Iturbe.

«El intenso poder de atracción de su música permanece inalterable, sus misterios y su hechizo siguen vigentes, y sus respuestas aumentan mi admiración y deseo de seguir escuchando todo aquello que siga produciendo».

Son palabras de Antton Iturbe cuando describe la música de Samuel Kerridge, un artista británico que a la sombra de figuras como Karl O’Connor o Surgeon ha conseguido transformar las raíces del Techno industrial británico en una identidad propia y distinguible.

Se hace complicado hablar de distinción cuando estamos ante un género tan recto e inexpresivo; Techno tenso, oscuro, sin decorados, que incorpora las sensaciones de la salvaje época post-Punk en UK y que se comunica con el espectador cara a cara.

No hay tiempo para intuir, tampoco para los significados alternativos. Kerridge habla en estos términos sobre su espectáculo Fatal Light Attraction: «el objetivo es fascinar y fijar tus sentidos, arrastrarte a su interior».

Debido al impacto de esta representación en festivales como la pasada edición del MUGAKO, el estreno de Bicefal o el L.E.V. Festival, Antton publica su conversación pendiente con el productor inglés.

Una charla en la que comprenderemos un poco mejor la esencia del artista y su búsqueda tras la simplicidad de las sombras y sus planteamientos audiovisuales.

Aunque queda ya un poco lejos en el tiempo, dado el enorme impacto que tuvo sobre mí, me gustaría empezar preguntándote sobre tu show en la última edición del festival MUGAKO en Octubre pasado. En particular quisiera comentar el juego de luces creado por Maria Judova.

¿Esa sencillez espartana (básicamente se trataba de sombras sobre una pared blanca, nada más) era intencionada o fue producto de un fallo técnico? Me gustaría aclararlo, porque me pareció fascinante y muy íntimamente ligado a la brutalidad de la música, pero claro, en algunos momentos me entro la duda de si todo se debía a una avería.

En cualquier caso, ¿tu show en Bicefal –al que no pude asistir- o el que preparas para el L.E.V. son similares?

Samuel Kerridge: ¡¡El famoso show de MUGAKO!!! Quería salirme de las convenciones de los shows de A/V y evitar repartir la atención del público en demasiadas direcciones, desviándola de la propia música.

El objetivo es fascinar y fijar tus sentidos, arrastrarte a su interior, como un canto de sirena. El nombre del show (Fatal Light Attraction) sugiere esas intenciones.

En esencia, es una sombra, en su forma más sencilla y pura. Me atrae ese tipo de simplicidad, no tengo ninguna intención de cegar a todo el mundo con láseres y cañones de hielo.

El show en Barcelona fue sin A/V, y marcó el inicio de una nueva etapa basada en un set up exclusivamente hardware, algo que en aquel momento era un verdadero reto para mí.

Has declarado que “cuando estoy creando música estoy previendo el impacto que tendría sobre la pista de baile. Esa es mi forma de expresión y si es en algún sitio, es ahí donde debe estar”.

Esto puede resultar un poco chocante cuando uno escucha tus discos, ya que resultan, de entrada, más bien ásperos y fríos (aunque extremadamente bellos) y por tanto, poco apropiados para la pista de baile. Pero luego todo cobra sentido cuando asiste a uno de tus shows.

¿Cómo se da esta transformación? Quiero decir, si tomamos tu música grabada como punto de partida, ¿cómo creas a partir de ella ese monstruo poderoso y bailable que ofreces en directo?

SK: Trato de utilizar el poder y la crudeza física que me ofrece el sistema de sonido de la sala. Tomo prestado un poco de mis trabajos anteriores, pongo alguno de mis “hits”, pero el show evoluciona y avanza constantemente. Surgen nuevas ideas durante la propia interpretación en directo.

Cada situación exige un planteamiento diferente, no quiero decir con ello que aplique un 4/4 a todo lo que hago en directo, pero debo adaptarme al contexto. Siempre he confiado en mi capacidad de adaptarme a la pista de baile, cada vez más, de hecho. Simplemente depende de hasta dónde quieres llegar con tu baile, con tu imaginación y con tus propias limitaciones.

Hay también un cierto nivel de responsabilidad en el público. Si quieres que te vuelen la cabeza, ¡tienes que estar preparado y dispuesto a dar algo a cambio! Un público que se compromete e interactúa contigo ayuda muchísimo, te da mucha libertad.

Al mismo tiempo, dices que te gustaría dejar un legado y que tu música aguante el paso del tiempo.

Para ello, ¿es necesario alejarse de la pista de baile, o es más bien, al contrario? Lo pregunto porque tradicionalmente hay una idea de que la música orientada a la pista de baile es una especie de fast-food con una fecha de caducidad muy corta, pero en los últimos tiempos tengo la sensación de que esta percepción está cambiando…

SK: No hay una intención premeditada de moverse en una dirección concreta, y además no me parece sano sentirse obligado a ello. Hago lo que me parece correcto en cada momento, surge de mi interior, sin presiones externas. Nunca he tenido la necesidad de sentirme aceptado, no es algo que busco con mi trabajo.

Es completamente egoísta, ¿y por qué no lo iba a ser?

Creo desde el instinto y la necesidad, eso es lo que alimenta la longevidad de lo que haces. La dominación del mundo, los mercados, las nuevas tendencias, ¿qué cojones significa todo eso? Y ¿a quién le importa? Nada de eso tiene sentido para mí, debes ser indigno de ello.

Personalmente, noto que la música que inicialmente nos confunde y nos incomoda es la que frecuentemente resiste mejor el paso del tiempo y nos sigue ofreciendo nuevas y excitantes experiencias a cada escucha.

Creo que tanto el productor como el oyente deben sentir un punto de incomodidad y salirse de su “territorio conocido” para que la verdadera magia se manifieste.

Tu música y la de otros artistas afines y abiertos a nuevas posibilidades (todo el catálogo de Downwards y especialmente el propio Regis son un buen ejemplo) expande y rompe los límites entre la música rigurosamente experimental y los himnos bailables, y ese puede ser un territorio muy fértil.

¿Cuál es tu punto de vista al respecto?

SK: Karl (Regis) ha creado un sello con un hilo conductor que se mueve entre la funcionalidad y el arte, y que es reflejo de su propia persona y de los artistas asociados al mismo. El hecho de que compartamos sello es un feliz accidente, o puede que se deba a los poderes de Grindr. Nunca se sabe.

Quiero escuchar alma, carácter y personalidad. Mi planteamiento es que no hay reglas para la producción, la música se pone interesante cuando se cruzan las fronteras. Nunca he recibido formación musical, es todo instintivo. Saber demasiado puede tener consecuencias negativas.

Todo el mundo necesita que le saquen de su “zona de confort”, y es que si no, ¿cuál es el objetivo de todo esto? La cara de horror de algunas personas del público es impagable. Hacer que la gente se caiga de culo porque lo que escuchan no tiene nada que ver con sus mundanas expectativas es algo extremadamente satisfactorio.

Tu evento tipo club en Berlín, Contort, puede ser un buen ejemplo de este planteamiento. En el sentido de que desafía a la idea de la fiesta house/party puramente funcional y trata de ir más allá y adentrarse en sonidos más experimentales, sin perder la esencia de club.

Pero de acuerdo a la nota de prensa de Contort #16 del 15 de Mayo de 2016, deja su formato actual para convertirse en un sello y un festival anual de 36-48 horas.

¿Cuál es la situación y los planes a día de hoy? No he visto más actualizaciones desde Noviembre, ¿sigue en pie el plan del festival para este 2017? Y ¿cuál es tu valoración de esas primeras 16 ediciones?

SK: Falsas noticias. Nuestro plan inmediato es mantener la producción del sello. Es posible que volvamos a organizar eventos, pero aún no sabemos bajo qué formato.

Es fácil caer en el exceso y considero que dejamos de organizar eventos en el momento oportuno. La escena goza de buena salud en Berlín, con nuevos colectivos siempre en la cola esperando a manifestarse.

Es cierto que seguía viniendo bastante gente a nuestros eventos, pero se convirtió en el sitio de moda, lo que supuso una verdadera decepción para mí.

Supe que todo había terminado el día que alcanzamos el top 10 en un chart de una revista online muy popular.

La aportación más importante de Contort fue la de ofrecer a los artistas una plataforma en la que poder actuar libremente y sin limitaciones. Estoy muy orgulloso de esas 16 ediciones, conseguimos un montón de cosas, inspiramos a otras y ¡nos lo pasamos en grande!

Volviendo a tus propios discos, tus primeros LP, al menos para mí, tienen un toque más rugoso e industrial que tu último trabajo -“Fatal Light Attraction”-, que suena mucho más brillante y afilado pero al mismo tiempo igual de peligroso y amenazante.

¿Cuál ha sido la inspiración de “Fatal Light..”? ¿Está realmente más cerca a tu visión original o es fruto de una evolución que no tiene una dirección de llegada concreta? En cualquier caso, ¿qué podemos esperar de tus próximas producciones?

SK: Los discos iniciales sentaron las bases, hay un proceso detrás y la evolución se percibe claramente. Es necesario que exista una cierta trayectoria, de lo contrario estaría parado, estancado en la mierda.

Todavía busco mi propio camino, evolucionando constantemente sin un objetivo concreto. Las cosas serían mucho más sencillas si tuviera una visión, pero cuando n existe un objetivo concreto es difícil explicar la evolución de uno mismo.

Encuentro belleza en lo desconocido, la música es una distracción y una vía de escape para mí. Creo firmemente que mi mejor música está aún por llegar, y que en cierto modo la he ido construyendo poco a poco con lo que he editado hasta ahora. Hay muchísimo territorio inexplorado y yo solo estoy empezando.

Sacaré un nuevo EP en Downwards este verano, y estoy grabando en el estudio en estos momentos, es posible que haya un LP a corto plazo.

He leído que te gustan mucho bandas como Sunno))), YTG, Coil, Velvet Underground o incluso The Clash, y tengo que admitir que percibí muchas conexiones con el post-punk el Metal y el hardcore en tu actuación en MUGAKO.

La inspiración de todas estas grandes bandas no debería estar exclusivamente limitada a los músicos de rock.

De hecho, creo que hay un terreno intermedio muy interesante entre el techno y el metal/hc/noise que aún no ha sido explorado del todo.

¿Te sientes dentro de ese terreno?

SK: No de forma intencionada, pero sí que veo las conexiones. Mis gustos musicales son muy amplios y eclécticos. A nivel de producción, estoy explorando un montón de nuevos caminos, lo que por otro lado le da un espectro mucho más amplio a mis sets en directo.

Me sentía aislado en Berlín, ha sido realmente cuando me he salido de esa escena de clubs cuando el horizonte se ha abierto para mí. No quería vivir bajo el peso de una etiqueta, eso no es para mí.

En Contort, no nos limitábamos tampoco a un estilo concreto tampoco, siempre he buscado esa variedad.

Para terminar, después del estupendo EP de SØS Gunver Ryberg, ¿cuáles son tus planes de edición en Contort a corto plazo? ¿Estás trabajando con algún nuevo artista a incorporar al sello?

SK: Creamos el sello para editar música de artistas que entendíamos que reflejaban el espíritu de nuestros eventos, y SØS o WSR son perfectos ejemplos de ello.

Queríamos dar una plataforma a este tipo de artistas. Confort es un sello independiente, no hay contratos, sobrevivimos y fracasamos gracias o debido a nuestras propias decisiones.

Nuestro plan es apoyar a los artistas con nuevas publicaciones y estamos abiertos a nuevas aportaciones.

No buscamos un sonido particular. Si yo mismo no sé lo que Contort es, ¿quién lo va a saber?