#Entrevistas

Craig Leon, el artista que se comunicó con el futuro

El productor dibujó desde el estudio las líneas de la música underground electrónica.

03.10.16
Aleix Mateu

Craig Leon es un músico con un largo recorrido a sus espaldas. Responsable del clásico descubierto años más tarde «Nommos/Visiting«, el artista demostró estar avanzado a su tiempo tanto a nivel musical, con libres arreglos de sintetizador, como a nivel conceptual, pues «Nommos» exploraba la religión basada en los extraterrestres de Dogon, tribu de la República de Mali.

Su capacidad visionaria le llevó a descubrir Suicide y definir el sonido por venir en el Punk electrónico de la época, el Rock y la No Wave produciendo los discos esenciales de la banda de Alan Vega, The Ramones o Blondie.

La figura del genio que hay en Craig Leon ha ido saliendo a la luz gracias a reediciones como la de RVNG Intl. y otras de no autorizadas, como la disputada y criticada de Superior Viaduct. El artista, lejos de reprender su creatividad, sigue trabajando componiendo música clásica y electrónica, y tiene serias intenciones de volver a la creación puramente sintética y libre.

El 8 de octubre Craig Leon visitará Malasaña, Madrid, en motivo del festival Villamanuela, donde interpretará su clásico. Hemos hablado con él para conocer mejor su trayectoria y su experta visión sobre la música en general.

Manuela Malasaña, heroína que hoy es honrada con su nombre en el barrio, era de profesión bordadora. En su honor, y en motivo del festival Villamanuela, hemos creado estas gráficas de los artistas en forma de bordado.

Llevas algún tiempo ya volviendo a hacer shows. Qué tal ha ido el regreso a los escenarios? Has notado un cambio real a la hora de hacer nuevas actuaciones?

Cada actuación es diferente para mí. Interpretamos nuestras canciones acorde con las distintas situaciones y configuraciones. A veces con un cuarteto de cuerda y vocales, a veces con solo dos sintetizadores y vocales. Cuando podemos con una orquesta completa de 50, incluyendo 5 percusionistas.

Cada actuación es distinta también desde que empezamos a usar drum loops electrónicos y algunas señales estáticas que ahora interpretamos en directo: los diferentes sonidos y melodías aparecen siempre de forma distinta.

Una de tus primeras grandes apariciones creativas fue al descubrir Suicide y producirles el disco debut. Qué viste en ese concierto de Kansas que te llamara la atención?

La primera vez que vi a Suicide en directo yo era nuevo en Nueva York. Conocía el underground de la ciudad y la escena de vanguardia, pero más por haber leído sobre ella y por escuchar trabajos de compositores visionarios en grabaciones oscuras.

Con Suicide vi la posibilidad de unificar el estilo del downtown de Nueva York y sus formas de performance con la por entonces emergente música electrónica de la escena Krautrock. Este movimiento estaba en construcción a la vez que lo hacía en la vanguardia alemana.

Suicide también incluyeron en su particular mezcla las primeras raíces del R&B y el Rock & Roll, así que eran una experiencia multi género.

Trabajar las EQs, reverbs, delays… Qué o cuanto hay de Craig Leon en ese debut de Suicide?

El concepto musical y filosófico es de la banda al 100%. Lo que yo hice en el proyecto fue aportar métodos para que pudiéramos explorarlos. Formas de potenciar la música y el concepto grabando de forma opuesta a la actuación en directo. Usé mucho los efectos de estudio que eran más innovadores en su momento.

Blondie, The Ramones, Suicide… Qué debe tener un artista o grupo para que te llame la atención y puedas trabajar con él?

Un productor debe enamorarse del concepto y de la música del artista para hacer las cosas bien. Es aplicable a cada artista y a cada género. Supongamos que un sello me propone hacer un disco sobre lo que para mi es la música de navidad, villancicos. Lo haré con tantas ganas como si ayudara a Blondie, por ejemplo, siempre y cuando vea la oportunidad de aportar algo nuevo y personal, y me motiven los arreglos que vaya a hacer.

No hay una diferenciación cualitativa entre géneros o sujetos, tan solo sentir de verdad lo que estas haciendo.

«Nommos», quizá tu obra más personal y libre, ampliaba realmente el espectro creativo llegando casi a la experimentación. Crees que se haya reivindicado años más tarde es una prueba de ello?

Creo que inicialmente la falta de un mayor reconocimiento se debió a que «Nommos» tenía un concepto muy distinto a lo que los distribuidores del disco sabían como promocionar. Denny y John, responsables de Takoma, el sello, comprendieron de que trataba el disco, pero Chrysalis, que eran los encargados de promocionar y vender los productos del sello, no.

La distribuidora no estaba muy interesada en promocionar la música de Takoma porque pensaban que no era comercial. En este sentido estaban en lo cierto, pero si el dinero era su única motivación me parece estúpido que trabajaran con uno de los sellos más esotéricos y experimentales que existían por aquel entonces.

Eres autor de un disco que ha sido muy cotizado en Discogs. Como valoras la especulación del vinilo y el mundo de las reediciones?

El formato vinilo tiene un sonido muy definido. Pero al contrario de lo que dice la mayoría de propaganda al respecto, el sonido del vinilo no es mejor que las señales digitales de alta calidad. Me refiero a HQ real, no al mp3 y unos auriculares baratos.

A pesar de esto, para mucha gente (y yo me incluyo) es una experiencia más enriquecedora escuchar un trabajo en vinilo que en formato digital.

Tuviste algún problema con la reedición del disco. Qué diferencia encontraste entre ese caso y la de RVNG?

Tuve problemas porque le pedí al hombre que estaba reeditando la versión original de «Nommos» que no lo hiciera. la razón es que yo ya estaba planeando la creación de una versión definitiva. Ellos lo sabían y a pesar de todo decidieron seguir adelante con lo suyo.

Lo que yo creo es que ellos tan solo querían hacer un poco de dinero con el interés que se había generado alrededor de «Nommos». No han compartido ninguno de los beneficios y todavía espero los royalties relacionados con la creación y publicación del disco.

Muchos sellos de reediciones creen que están haciendo un favor al artista cuando vuelven a publicar sus obras viejas sin su consentimiento y sin pagar honestamente. Mi opinión es que estos buitres que hacen esto en nombre de la historia o el arte simplemente son dañinos y codiciosos.

RVNG Intl. y mi sello de música clásica, Aparte/Harmonia Mundi son todo lo contrario. Están totalmente volcados en el trabajo de sus artistas y creen en su música. Además pagan de forma justa cualquier royalty, a pesar de que las ventas no sean muy altas.

A propósito de tu nueva aventura musical, ahora estas en otra etapa creativa: bandas sonoras, música clásica… Como valoras esta evolución?

Había estudiado las mecánicas y técnicas de interpretación y composición de música clásica mucho antes de hacer Pop y Rock. Así que esto no es nuevo para mi. Siempre he trabajado en este área, aún cuando estaba haciendo Pop.

Ahora se esta reconociendo más esta faceta desde que me estoy centrando exclusivamente en la música electrónica y clásica. A pesar de esto, odio poner etiquetas a los géneros musicales. El Country es algo en lo que no he trabajado desde hace muchos años, pero todavía no comprendo que hace algo Country o Rock como opuestos del Folk.

Qué diferencias encuentras entre los procesos de creación más Pop y los clásicos?

El Pop y el Folk se crea de forma intuitiva. La música clásica también nace de la inspiración o la intuición pero requiere una técnica específica para terminar la idea. Es la única diferencia que hay, para mi. Por lo tanto, siguiendo esta distinción, podríamos decir que las improvisaciones de piano acústico de Chopin no es música clásica, pero mi «Nommos/Visiting» sí lo es. Así mismo mi colaboración actual con Berangere Maximin, que es puramente electrónica e implica la manipulación de sonidos y ruidos, es también música clásica, ya que la hemos escrito metódicamente después de los sketches iniciales.

Has considerado tu música Punk alguna ocasión?

Perdón, pero no tengo ni idea de lo que es el Punk. Las únicas personas con las que trabajé que se auto proclamaron Punk fueron Suicide en los 70, y solo en anuncios y entrevistas ocasionales. El Punk es algo inventado por periodistas y hombres de negocios ingleses.

Este año ha muerto Alan Vega y se ha hablado mucho de Suicide otra vez. Como has vivido estos meses?

Como siempre. He trabajado en el estudio, he escrito, he grabado y he actuado. Echo de menos tener a Alan en el mundo, pero no quiero animar a que la gente se interese por su trabajo por el hecho de que no siga con su existencia natural. Prefiero que la gente simplemente lo encuentre. Él era un genio en muchos otros ámbitos más allá del de vocalista.

Habrá más discos de libertad sintética en el futuro? Qué podemos esperar de Craig Leon próximamente?

Tengo dos nuevos volúmenes siguiendo el concepto que exploraba en «Nommos/Visiting» que verán la luz en 2017 y 2018. Además, el año que viene estaré haciendo colaboraciones en directo de sintetizador muy interesantes, con gente que respeto mucho. Serán «live remixes».

Por supuesto también algunos discos de música clásica para Aparte/Harmonia Mundi.

Y en el Villamanuela?

La versión actual de «Nommos/Visiting» en directo, con sintetizadores, vocales, y un conjunto de cuerda. También uno de nuestros vídeos. Todavía no se qué vídeo será, eso lo elegiré cuando vea como es el espacio la semana que viene. Espero que la etapa de potencia está bien alta.