Podríamos publicar las 15 reseñas (o 16) por separado pero no es necesario agrandar una sobredosis de contenido cuando hay un formato perfecto para, mensualmente, englobar aquellos discos, EPs o mixtapes que más nos han convencido.

La crítica actual no es tal, ya que no tiene tiempo de valorar aquello que no le interesa o no ha entendido lo suficiente; la crítica ahora es más bien una oportunidad de poner en contexto al lector sobre álbumes o trabajos que valen mucho o un poco la pena.

Actuar como filtro ya lo hacemos propiamente muchos de nosotros a diario, nuestro gusto es el propio filtro, y nuestro receptor es nuestra audiencia, la cual vamos segregando de forma inconsciente según esos parámetros comunes o no comunes.

Somos tantos y son tantos los títulos que se amontonan en nuestro día a día, que ya no estamos dispuestos a perder nuestro valioso tiempo analizando por qué este LP no merece ni una escucha por nuestra parte.

En este punto, en el que las opiniones subjetivas siguen siendo necesarias pero apenas importan, sí merece la pena señalar aquel material que para nosotros merece que reserves 5 minutos de tu atención.

Aunque solo sea por completar la información que ya tenías sobre ellos o ampliar tu percepción del mismo con nuevos puntos de vista.

Saagara

"2"

Instant Classic

Uno de los discos más infravalorados del año pasado fue “Lines” (Instant Classic, 2016), del interesantísimo clarinetista polonés Wacław Zimpel.

Saagara es la formación con la que Zimpel se acerca a las dinámicas, las armonías y la instrumentación de la música india, superponiendo desarrollos de carácter minimalista con intensos y emocionantes fraseos jazzies de clarinete e instrumentos folclóricos, percusión y un envoltorio ambiental para inducir en un universo de belleza infinita.

Para ello ha colaborado con una banda de músicos que incluye al productor berlinés mooryc, encargado del mencionado acabado electrónico (una novedad respecto al primer álbum de Saagara). (PC)

Tinariwen

"Elwan"

Wedge

A estas alturas sobran las presentaciones para Tinariwen: esta formación lleva más de 30 años cantando por el pueblo Tuareg, primero desde sus tierras y a partir de los 2000 por los escenarios de todo el mundo (en parte por su éxito y en parte por la crítica situación de Mali bajo la amenaza de los islamistas).

El paso del tiempo no ha variado su blues del desierto, género que ellos mismos definieron y del que siguen siendo los máximos representantes: los hipnóticos riffs acústicos o saturados de sus guitarras fluyen al pulso de sus percusiones polirítmicas, alternándose con unas vocales a modo de pregunta-respuesta que claman por la libertad y la unión de su pueblo.

Más allá del blues y de las “músicas del mundo”: Tinariwen son una de las mejores bandas de psicodelia que uno puede escuchar. (PC)

Thundercat

"Drunk"

Brainfeeder

Las diferencias entre este álbum y los otros 3 que ha lanzado Thundercat con Brainfeeder son la extensión, la inventiva y el humor.

Su sonido es el mismo, pero más atrevido y cada vez menos serio: un virtuoso del bajo con una voz que recuerda a Bobby Caldwell haciendo lo más parecido a la fusión entre Jazz, Funk y Soul a principios de los 80 y mostrando todo lo que hay en su interior, por obsceno, humillante y chalado que parezca.

Por encima de la finura en los acabados y la originalidad que desprende cada pieza de este “épico viaje” por los tropiezos y aventuras de Thundercat está la naturalidad que consigue transmitir el californiano.

Casi todos los 23 singles que componen “Drunk” hablan con buen humor, comicidad y cero resignación sobre situaciones que todos hemos vivido.

Thundercat combina esa frescura con un sonido parejo que bebe de George Duke, de Daryl Hall & John Oates y sobre todo, de los Doobie Brothers de Kenny Loggins y Michael McDonald.

A pesar de que su bajo debería ser el protagonista, en las armonías vocales está la llave de su sonido; si las dejáramos desnudas, sin todos los detalles de percusión, los arreglos, las colaboraciones, seguiríamos reconociendo a Thundercat.

“Drunk” es el álbum que mejor define a Thundercat como músico y el mejor álbum de música afroamericana desde “Black Messiah”; nada hoy en día se le puede comparar, tan solo echando la vista muy atrás conseguiríamos escuchar algo similar.

Por si fuera poco, el ánimo no es el de revitalizar un sonido, sino de renovarlo con ingenio y respeto, algo que en la escena de Los Ángeles llevan haciendo con el Jazz, el Funk y el Hip Hop desde hace más de una década.

Si ese proceso fuera un viaje o una carrera, la conclusión más importante debería ser “Show You The Way”, un single que trasciende épocas, raza y genéricas musicales para crear algo con la “honestidad” como denominador común. (FP)

Kingdom

"Tears In The Club"

Fade To Mind

El productor neoyorquino Kingdom al fin ha publicado su disco debut, “Tears In The Club“.

Como su título indica, el álbum sintetiza todo lo que ha sido Kingdom hasta ahora: uno de los exponentes más solventes a la hora de llevar el Club a nuevos terrenos y llenarlos de emoción.

Desde las emotivas baladas de Soul a la deconstrucción de elementos, Kingdom no cesa de poner su mirada en la pista de baile, ya sea a través de sus percusiones o de sus arpeggios cercanos al Trance, siempre añadiéndole matices profundamente emotivos.

Así, las lágrimas en el Club dotan a la pista de baile de un nuevo sentido, tanto a nivel musical como político. (AM)

Jlin

"Dark Lotus"

Planet Mu

Como ya comentamos cuando introducimos la obra del japonés Foodman, el Footwork es una revolución sonora que mantiene el mismo aspecto que encontramos cuando invadió Europa en 2010; apenas existen nuevos puntos de vista, tan solo híbridos y ligeros adelantos.

Además del productor mencionado, la otra artista que intenta empujar el género más allá de lo imaginado es Jlin. “Ha llevado al Footwork a escenarios en los que no sabíamos que podía estar” decíamos cuando lanzaba “Free Fall” con Planet Mu el año pasado.

Antes de que en este 2017 veamos el segundo larga duración de la productora, con título “Black Origami”“Dark Lotus” contiene un adelanto de hasta dónde ha podido llevar su “creación sin límites”.

Nadie en estos momentos es capaz de diseñar secuencias de percusión con tanta imaginación, sin perder la energía cinética y la intensidad que caracterizan por encima de todo al Footwork.

Si el Footwork es la creación sonora más compleja descendiente de la música urbana, y con ella han experimentado desde Mark Fell a Kode9, Jlin es la única figura que parece destinada a llevarlo a un nuevo nivel de comprensión.

El EP incluye “The Escape of the Blvck Rxbbit” y “Nyakinyua Rise”, que introduce por primera vez en su discurso tambores reales y percusiones djembe. (FP)

Visible Cloaks

"Reassemblage"

RVNG Intl.

Todo el proyecto de Visible Cloaks podría convivir dentro del diseño sonoro de “Bamboo Houses”.

Un distintivo sonido enfocado al Pop germinado a partir de la influencia de músicos como Hiroshi Satoh o Midori Takada; la obsesión del dúo de Portland (Oregon) con la instrumentación MIDI y la tradición Ambient/Pop japonesa domina sus creaciones y el concepto de su exitosa serie de mixtapes, “Fairlights, Mallets and Bamboo”.

En su segundo álbum, titulado “Reassemblage”, Ryan Carlile y Spencer Doran construyen un mundo musical a partir de filias muy particulares. El título del disco viene directamente inspirado por un documental de Trin T Minha-ha.

Los primeros experimentos de la música generativa a través de software, el minimalismo italiano, la esencia tropical de Haruomi Hosono, el Pop y el R&B japonés de los 80, el fetichismo MIDI y la deconstrucción de samples vocales. Todo se aísla y se deconstruye con asombroso estilismo.

El resultado está entre el Ambient étnico, los “Eccojams” de Chuck Person y las producciones de un joven Ryuichi Sakamoto; en el título contribuyen Motion Graphics, Matt Carlson y la intérprete de culto japonesa Miyako Koda. (FP)

Otim Alpha

"Gulu City Anthems"

Nyege Nyege Tapes

La revolución electrónica en África tiene cientos de vertientes; las diferentes regiones y grupos étnicos han aprendido a adaptar sus danzas y folclore tradicional a base de instrumental digital y con la ayuda del software.

Shangaan Electro, la música Rap hecha en Gao, los Tuareg con el autotune, el New Age y la música electrónica de Bamako, el Gqom de Durban. Son diferentes expresiones de la misma circunstancia: la entrada de las nuevas herramientas de producción en las diferentes regiones.

A nivel cultural, lingüístico y musical, África es un terreno tan rico como lejano y desconocido; el sello ugandés Nyege Nyege Tapes, imitando la labor de sellos con raíz occidental como Sahel Sounds o Awesome Tapes From Africa, edita el primer álbum/recopilación al pionero del Electro Acholi en Uganda, Otim Alpha.

Música de boda del grupo étnico de los Acholi en Uganda (alrededor del 4% de la población del país, en su mayoría católicos) que se acerca al Techno gracias a la entrada de los recursos electrónicos.

Canciones bajo el título de “larakaraka” producidas desde 2001 por Alpha y su colaborador Leo Palayeng; 11 años recopilados en un casete limitado también disponible en versión digital con el título de “Gulu City Anthems”.

Ritmos intensos a gran velocidad y clara similitud con la música de los Balani Shows o la mencionada tendencia Shangaan Electro.

El sello ya ha editado el material del artista keniano Alai K aka Disco Vumbi a principios de 2017. (FP)

Varios Artistas

"Mono No Aware"

PAN

Preparar y editar un recopilatorio siempre es un momento especial para un sello.

Es el momento para hacer un statement y mostrar al público una imagen total de lo que se es en cada uno de los aspectos, tanto a nivel sonoro como en la selección de artistas y el formato de su edición.

PAN ha encontrado ahora su momento y ha preparado “Mono No Aware“, un recopilatorio de 16 cortes que será editado en un doble vinilo. Cuenta con la mayoría de los artistas del sello y, a la vez, incorpora nuevos activos de talento contrastado como Malibu o Mya Gomez.

Encontramos nombres como SKY H1, HELM o M.E.S.H., pero también al CEO Bill Kouligas y a los protagonistas de algunos de los últimos releases del sello, Yves Tumor, Flora Yin-Wong o ADR, entre otros.

Todo el álbum gira en torno al Ambient e intentará transmitir un estado de tránsito y suspensión separado del tiempo y el espacio que nos encontremos. (AM)

Fabiano Do Nascimento

"Tempo Dos Mestres"

Now-Again Records

Dança Dos Tempos” (Now Again, 2015), disco debut de Fabiano Do Nascimento, fue una de las revelaciones más agradables de su año.

Con “Tempo Dos Mestres” (Now Again, 2017), este joven guitarrista de Brasil recoge la esencia de la zona del Amazonas de una forma parecida a como lo hicieron en su momento referentes como son Hermeto Pascoal o Airto Moreira, este último colaborador de Fabiano do Nascimento.

Los 42 minutos del disco están guiados por las escurridizas y nostálgicas cuerdas de nilón de la guitarra del autor, aunque a ellas se suman de forma juguetona percusiones, saxo, flauta y unas voces que acercan algunas de las composiciones a la Samba.

Una joya firmada por uno de los músicos más prometedores de la escena brasileña contemporánea. (PC)

The Other People Place

"Lifestyles Of The Laptop Café"

Warp Records

Así como Kraftwerk dieron “humanidad a las máquinas”, Drexciya planteaban música electrónica sin la intervención humana, hermética y precisa, rabiosa y que se oponía de forma natural a la “deshumanización tecnológica”. Una banda sonora creada por habitantes de otro mundo, creada por otra especie que no comprendemos venida de una ficción que no conocemos.

A medida que la trayectoria de Drexciya evolucionaba, sus dos supuestos miembros también fueron diversificando su actividad creativa en otros proyectos alternativos, nunca complementarios para la historia principal.

Antes de que “Grava 4” diera por concluido el proyecto Drexciya, James Stinson había facturado material como Transllusion y The Other People Place; mientras el primer nombre seguía los cánones electrónicos en los que la “emotividad” se veía neutralizada, el álbum “Lifestyles Of The Laptop Café” parece adoptar una postura de “resignación” o “aceptación” de la condición humana del productor.

El disco, conmovedor y en el que Stinson plantea su versión más sentimental, suena a “reconciliación” con el mundo tiempo antes de un fatal desenlace. Una viaje al interior de la persona real, una obstrucción momentánea y final a la fantasía Drexciya, aquella que había abarcado toda su carrera electrónica.

En el álbum que edita Warp Records en 2001 (tiempo antes de que Stinson muera por complicaciones cardíacas el 3 de septiembre de 2002) suena a último aliento creativo; en “Eye Contact” la voz de Stinson relata que “Something’s happening to my transmitters/Starting to overload/Sitting here in this café/Drinking my latte” y en “It’s Your Love” notamos a alguien desconsolado y al mismo tiempo sonriente.

Hay algo agridulce y melancólico en todo el título que representa o más bien anticipó de alguna forma la comunicación en nuestro mundo de hoy; un escenario en el que la soledad real y física se esquiva con impulsos superficiales de todo tipo, una hiperrealidad en la que estamos “solos, frente a nuestro ordenador, teóricamente conectados con todo el mundo”.

Nos imaginamos a Stinson en el año 2000 sentado frente a la pantalla de un portátil aprovechando una conexión decente dentro de un primigenio cibercafé; ante su rostro se desvela un futuro en el que la interactuación entre personas se volverá artificial y binaria, un futuro en el que los individuales estaremos postrados en una silla ante una galería de afectos y reacciones digitales.

The Other People Place representa al Stinson real, destapa la sensibilidad detrás de la persona que tuvo algo que ver con Drexciya, en los últimos momentos de su carrera; un ejercicio de introspección como conclusión en el que se predice nuestro futuro y aconseja sobre lo que necesitaremos cuando llegue ese inminente “escenario deshumanizado”.

Lo dice bien claro, casi como un mantra, en “Sunrays”: “relax your mind/slowly unwind.” Lo que quiso decir o contar realmente Stinson es un misterio, como todo lo que se cuenta en este artículo. (FP).

Luka Productions

"Fasokan"

Sahel Sounds

Cuando el etnomusicólogo Christopher Kirkley escuchó la visión New Age de Luka Productions cuando estaban juntos en el estudio se quedó fascinado. Ahora nos lo traslada a nosotros con este álbum, “Fasokan“.

El productor de Bamako bromeaba, traducía frases cliché como “te estás convirtiendo en una mariposa” al bambara, y lo mezclaba con grabaciones de de campo registradas en Bamako.

Cuando todo esto ocurría, escribimos una breve historia explicando todo el proceso creativo y lo que se esperaba: un álbum que Kirkley iba a juntar a través de audios de Whatsapp y archivos via Wetransfer.

El sonido sigue la línea inicial de un New Age mezclado con el Hip Hop contemporáneo de la ciudad, con un Spoken Word que se mantiene alejado de las líneas narrativas del Hip Hop global influenciado por el Rap americano. (AM)

PAZ

"PAZ Are Back"

BBE

Ahora que el Jazz británico está de nuevo al alza, representando la riqueza cultural del país y generando un nuevo punto de vista que está integrando genéricas electrónicas como el Jungle o el Grime, recuperar al proyecto PAZ tiene más sentido si cabe.

En un momento en el que Yussef Kamaal, Moses Boyd, Shabaka Hutchings o los United Vibrations están agitando y expandiendo una nueva forma de ver el género, BBE recupera el álbum más icónico del colectivo de músicos en la Londres de 1980.

PAZ fue un all-star de músicos de Jazz que habitaban Londres por aquella época, liderados por Dick Crouch, vibrafonista y compositor reconocido por la fusión de Jazz con Funk y elementos latinos, muy cercano al Eddie Palmieri del mismo momento.

PAZ grabaron hasta 5 álbumes desde 1978 a 1989: fueron una banda muy similar a War, Cymande o Stark Reality en cuanto a personalidad musical y concepto. “Paz Are Back” se editó originalmente en 1982.

El álbum incluye dos excelentes reinterpretaciones: del “Everywhere Calypso” de Sonny Rollins al “Dancing In The Dark”. (FP)

Equiknoxx

"Fly Away"

Swing Ting

El colectivo británico Equiknoxx sigue soltando hits de Dancehall reinventado desde una perspectiva moderna, con cierto toque experimental pero sin olvidar en ningún momento la pista de baile.

Fly Away” es una nueva muestra de ello: gavinas resuenan en el horizonte y unos suaves sintes de neón dibujan la puesta de sol mientras vemos que se nos acerca irremediablemente el sótano en el que rebotan sus riddims, aquí guiados por el mítico vocalista Alozade.

Desde ya mismo un fuerte candidato a mejor tema del año por lo que se refiere a los ritmos jamaicanos. Se complementa con una cara B que añade cierto acabado Dub. (PC)

Varios Artistas

"Outro Tempo: Electronic And Contemporary Music From Brazil, 1978-1992"

Music From Memory

El pasado verano ya oímos hablar del proyecto; el digger John Gómez iba a recopilar algunas singulares piezas de música hecha en Brasil justo en el proceso de transición a la democracia, justo cuando el instrumental electrónico y disciplinas como el New Age o la música étnica comenzaban a expandirse por el país.

“Outro Tempo: Electronic And Contemporary Music From Brazil, 1978-1992” abre una puerta muy poco explorada sobre la historia musical de Brasil, casi siempre monopolizada por el auge de la Bossa Nova, la fusión con la tradición afroamericana o el movimiento tropicalista.

Según la nota de prensa aportada por Music From Memory, la recopilación se centra en composiciones que “abrazaron métodos de producción electrónica tradicionalmente rechazados, integrando en su música elementos del Ambient, de la fusión Jazz y el minimalismo”.

También la describen como “un viaje al corazón del Amazonas”, ya que el período en el que está centrada coincidió con el aumento de la deforestación en la selva.

La compilación incluye tracks de Priscilla Ermel, Andréa Daltro, Fernando Falcão, Marco BoscoAnno Luz.

De entre los 17 cortes, destacan piezas de acabado tan particular como la detallista “Kiuá”, de Andréa Daltro, una fusión de elementos del Soul electrónico y de la canción clásica.

“Corpo Do Vento”, de la desconocida artista Priscilla Ermel, recuerda en algunos momentos a la psicodelia tribal de Jorge Reyes. 

Ritmos indígenas, primerizos experimentos con cajas de ritmos, sintetizadores y efectos vocales que se mezclan con toda la rica tradición musical brasileña a partir de la década de los 50.

Esta compilación es un ejercicio más brillante si cabe al asimilar que Brasil es uno de los países más investigados musicalmente en las últimas décadas.

Music From Memory descubre con este título un paradigma poco explorado que ha sido obstaculizado por la euforia tras el Funk, el Soul y la Bossa Nova gestada en el país. (FP)

The Ahmad Jamal Trio

"The Awakening"

Be With Records

Hablar de un solo disco de Ahmad Jamal es matar la figura de probablemente el pianista más influyente tras Thelonious Monk.

Hablar de “The Awakening” es hacerlo de “I Love Music”, un blueprint para la producción Hip Hop tras la golden era, una composición que se convirtió en el regalo que haría Pete Rock a Nas para su álbum debut (“The World Is Yours”).

Pero no podemos olvidar la pieza principal y que da nombre a este álbum grabado en 1970; “The Awakening”, con los sutiles cambios de ritmo y el espacio que Jamal daba a los silencios, los sostenidos y el vacío.

El músico de los músicos, aquel al que Miles Davis iba a ver tocar antes o después de sus propios conciertos, tiene muchos álbumes esenciales; “Heat Wave”, “Jamal Plays Jamal”, “Ahmad Jamal ’73”, “Jamalca”, etc.

O partituras fundamentales para reconocer la evolución del Jazz a final de los 60 y principios de los 70, como “Ponciana” o “Swahililand”.

Grabado en Nueva York y lanzado por Impulse!“The Awakening” es un ejemplo básico para cualquiera que tenga interés en entender la concepción Jazz de Ahmad Jamal: donde los intervalos, las intenciones y la insinuación contaban igual que las acciones o las notas reales. (FP).

Finesse x BNMP

"El Dorado"

Finesse Records

Nueve canciones certifican el genio creativo de los tinerfeños afincados en Barcelona y de su nueva familia mexicana, Finesse Records.

Empezando por la cover que Jesse Baez y Santa Bandida hicieron de (y con) la canción de Cruz Cafuné, “922 & Heartbreak“, los niños y los de Finesse han ido liberando paulatinamente las canciones de su EP conjunto, “El Dorado“.

El cruce de estilos entre nombres como Girl Ultra, Jesse Baez, Santa Bandida, Cruz Cafuné, Ellegas, Choclock e Indigo Jams ha resultado ser una idea maravillosa no solo en términos de marketing y de intercambio de públicos, si no en lo creativo. (AM)